Resumen del 2014: reemprender el vuelo

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No podía dejar de pasar la ocasión en este último día del año para hacer un resumen de lo que ha pasado en este 2014.

Como este es un blog de fotografía, he decidido hacerlo mediante una foto. Una foto que lo resuma y que me ayude a explicar todo lo acontecido (que no ha sido poco). Venga, vamos a ello; el resumen del año es este:



No, no me he hecho piloto de aviones. Es simplemente una metáfora de la idea de volver a reemprender el vuelo, de despegar y mirar adelante con renovadas fuerzas.

Este año ha sido posiblemente el más duro que nunca he vivido desde el punto de vista profesional. Comenzábamos el año (día 21 de enero) con el anuncio de una reestructuración empresarial en la compañía en la que he estado catorce años y medio; Novartis. Efectivamente, desde el 1.999 hasta el 2.014 de dedicación a una compañía de la que he aprendido todo, absolutamente todo lo que ahora me permite continuar con mi desarrollo profesional.

Muy malas noticias para empezar el año, pero lo peor ha sido el largo proceso entre enero y julio en el que la incertidumbre de que iba a ocurrir con nuestras posiciones se apoderó de todos nosotros. Finalmente, y tras valorar alternativas y opciones, acabé saliendo de la compañía.

Justo a la semana siguiente de salir de Novartis, llegué a un acuerdo con mi actual compañía, Veeva, para incorporarme en Agosto como Customer Success Manager. Estoy enormemente agradecido a Veeva por darme esta oportunidad y por pensar en mi para esta posición. Estoy encantado y feliz de contribuir y participar en un entorno dinámico y en continua evolución.

Así que en cuanto a la vida laboral, pondremos un agridulce a la carta de sabores del año. Por fortuna, la personal sigue tan bien como siempre. Feliz con Silvia y la pequeña Noa que sigue siendo un regalo para todos nosotros. Feliz con toda la familia y los amigos que siempre están ahí para ayudarnos en los momentos más complicados. A todos MUCHAS GRACIAS!!

En cuanto a la fotografía, quizá te has dado cuenta que este año he sido bastante menos prolífico que años anteriores. Por todo lo explicado anteriormente, no le he podido dedicar todo el tiempo que me hubiera gustado. Espero poder volver a dedicarle un poco más y seguir actualizando este blog. ¡Estáte atento!

Y vamos por el 2015 ¿no? arranquemos los motores y ¡a volar bien alto!
Te deseo un 2015 muy feliz, exitoso y ¡lleno de buenas fotos!


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La percepción en fotografía: Introducción

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Foto de Cennydd Bowles en Flickr

No hace demasiado, en un evento profesional organizado por una compañía de software de análisis de información, me topé, de forma inesperada, con un concepto que está muy relacionado con la fotografía. El consultor encargado de la charla en ese momento comenzó su exposición hablando de la percepción y de cómo el ser humano capta la información del mundo que le rodea. No se había vuelto loco. Hablar de percepción en un evento de tecnología, y sobretodo en el ámbito del análisis de la información, es muy relevante. Claro. Diseñar un buen informe / análisis en el ámbito profesional no es trivial. Debemos entender como percibimos nuestro entorno para luego saber cómo construir visualizaciones que sean efectivas y proporcionen toda la información al que la está leyendo.

El ponente hizo mención a la escuela de la Gestalt, un movimiento de la psicología que se dedicó a explicar la percepción humana. Seguramente el nombre no te suena, pero te invito a que hagas una búsqueda en las imágenes de Google....¿Te ha llamado la atención? Seguro que muchas de esas imágenes te son familiares.

Estando yo en un evento profesional, hablando de la forma de hacer visualizaciones efectivas, no pude evitar trasladarme al mundo de la fotografía. Y es por esto que me propuse escribir sobre percepción en este blog, de los principios de la Escuela de la Gestalt y de cómo podemos aplicar estos principios a nuestras fotos.

De momento os dejo con un concepto básico que diré con mis propias palabras: el resultado de la percepción es una combinación de lo que captan nuestros sentidos aderezado con nuestra propia experiencia. Es decir, lo que ven nuestros ojos, oyen nuestros oídos etc. forma la materia prima, el material en crudo. Es la experiencia personal lo que acaba de moldear lo que acabamos percibiendo.

¿Lo encuentras interesante? Seguiremos hablando de este tema en próximos artículos. Hablaremos del encuadre, de cuando el todo es mayor que la suma de las partes, de humor. ¡Estáte atento!



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Fotografía fast food

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Foto de PMillera4 en Flickr 



Cuando hablamos de fotografía, rápidamente visualizamos grandes fotos, paisajes espectaculares, retratos impecables o modelos posando. Sí, eso es fotografía, la de los escaparates y la lo que todos intentamos imitar.

Cuando uno va aprendiendo más y más sobre fotografía, se da cuenta que esos son los clichés, los standares y nos medio obsesionamos con las miles de normas, reglas y prácticas fotográficas. Y esto puede hacer también que, por contraposición, puedas ver otro tipo de fotografía como "menor"...ese pse pse....como el fast food de la fotografía. ¿A qué me refiero? Pues por ejemplo, a las fotos que tomamos de las vacaciones para guardar un recuerdo, a los famosísimos selfies, a las fotos entre amigos tipo "poneros todos ahí que os hago una foto" etc. 

Y el tema es: ¿es eso fotografía? Yo digo alto y claro que sí, que también lo es, y aún diría más, es la fotografía real, la auténtica. No sigue los patrones establecidos, no sigue las pautas, son estéticamente mejorables todas, sí, es cierto, ¿y?

Reivindico ese tipo de fotografía también, la de dejarnos de tanta norma y tanta pauta y la que consiste en simplemente sacar la cámara y disparar. La del control automático, la que hacemos con el móvil, la de "un poco más juntos que no salís" o la de "haz varias por si acaso". 

Reivindico el fast food fotográfico. Como en gastronómico, están muy bien las estrellas Michellin, pero también pueden ser geniales las hamburguesas de McDonalds de vez en cuando. 

Así que aprendamos fotografía, encuadremos correctamente, enfoquemos, elijamos la óptica más adecuada, elijamos los ajustes correctos, mantengamos una buena pose. Todo eso está genial, pero sintamos la libertad de hacer las fotos sin corsés, la fresca y natural, la del control automático. Hagámoslo cuando nos apetezca. ¡Disfrutemos de la fotografía!



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Merecidas vacaciones

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Tras un horrible inicio de año llegamos a las vacaciones con ganas de recargar las pilas y volver con fuerzas renovadas en septiembre.

Esta primer mitad de año ha sido bastante negativa en cuanto a lo profesional. Seguramente ya has notado que la frecuencia de las actualizaciones de este blog ha bajado significativamente, cosa que lamento muchísimo.

Afortunadamente parece que vuelve a salir el sol así que espero volver con más energías tras este merecido descanso.

Te deseo también unas felices vacaciones y ¡nos vemos a la vuelta!


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Tres trucos para posar en una sesión de fotos

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Posar para una sesión fotográfica es totalmente antinatural y hace que nos sintamos incómodos con la situación. Provoca que sintamos la necesidad de escapar y simplemente queremos que la sesión pase lo más rápidamente posible. Una de las razones por las que nos sentimos así es simplemente porque no sabemos qué hacer; ni cómo colocamos las manos, como nos situamos ante la cámara y hacia dónde miramos.

Para posar delante de la cámara existen pautas. A mi me gusta seguir algunas que creo que funcionan bastante bien y dan un buen resultado en la imagen final. El resto surge a medida que avanzamos con la sesión. A continuación las explico aprovechando la sesión que mi amigo Roger Prat me pidió hacer recientemente.

La posición del cuerpo o ese medio pie adelantado

Lo primero que me gusta indicar es cómo vamos a colocar el cuerpo. Hemos hablado en otros posts de este blog sobre la importancia de las diagonales y de alguna forma crear cierta "tensión" en la imagen para llamar la atención del espectador. Esto precisamente es lo que busco en la colocación del cuerpo para un retrato: buscar una diagonal, una línea que nos rompa la horizontalidad perfecta de las fotos de fotomatón.

Para ello, simplemente pido a la persona a fotografiar que primero se coloque en paralelo al plano de la cámara, digamos totalmente rectos, y que en ese momento adelante un pie ligeramente por delante del otro. Tiene que ser un poco simplemente, digamos "medio pie".

Con este simple movimiento, provocamos que el cuerpo gire ligeramente respecto al plano de la cámara, y voilá, obtenemos una diagonal en los hombros de la persona a fotografiar.

Mira por ejemplo la siguiente foto de Roger dónde la posición del cuerpo ha provocado la diagonal comentábamos.



La posición de la cabeza y los hombros

Tengo un poco de obsesión con la posición de la cabeza. Me gusta que esté recta, y es justo lo siguiente que me gusta trabajar. Una vez hemos colocado el cuerpo y lo tenemos ligeramente en diagonal, trabajamos la cabeza para que ésta quede totalmente recta. La tendencia natural es esa posición es a mantener la cabeza ligeramente inclinada, cosa que no es nada estética.

Un detalle más de la posición de la cabeza que suelo pedir es la de procurar adelantar la barbilla ligeramente. Es como si quisiéramos imitar a una tortuga estirando el cuello hacia adelante. Y esto ¿por qué? muy sencillo; adelantar la barbilla hacia adelante hace que estiremos el cuello y éste quede mucho más estilizado. Posturalmente es muy incómodo. Recuerdo los comentarios de Roger en este punto, y estoy totalmente de acuerdo. El truco es que luego la foto queda mejor.

Los hombros juegan también un papel importante. Situar el hombro más cercano a la cámara ligeramente más bajo, hace que adelantemos ligeramente la postura y da sensación de proximidad. Esta es la posición del cuerpo que busco. En contraposición, si el hombro queda ligeramente por encima, el efecto es el contrario, la imagen da sensación de alejamiento. Es muy sutil, ya lo sé, pero todo cuenta!

Fíjate por ejemplo en las siguientes dos fotografías. En la de la izquierda, el hombro más cercano está ligeramente más elevado, cosa que de a la imagen un cierto aspecto de lejanía. En cambio en la de la derecha, el hombro ya está más adelantado, haciendo que cambiemos un poco la percepción, dando una sensación de mayor proximidad.

Bueno, si en este punto te sientes como en el juego del enredo, colocando el cuerpo de aquí para allá, no te preocupes, todo es bastante más natural y ¡más fácil de lo que parece!

Los ojos

Los ojos son el elemento fundamental de un retrato. En alguna ocasión hemos dicho que si logramos enfocar los ojos tenemos más de medio camino conseguido para obtener un buen retrato. Efectivamente es una pieza fundamental.

Un truco que me gusta utilizar es el de entrecerrar los ojos un poco. Es muy sutil, imperceptible, pero bastante poderoso. Al hacerlo vamos a transmitir una sensación de seguridad. Es un ¡BANG! un toque final a nuestra imagen que funciona muy bien. Hacer este gesto con los ojos hace en que cambiemos la expresión de la cara ligeramente. Las cejas las mantenemos bajas y hace como si provocáramos que la mirada del espectador se dirija hacia los ojos precisamente.

Fíjate en los ojos de Roger de la siguiente imagen. Esos ojos entrecerrados son los que nos generen una sensación de confianza y de seguridad.




En resumen, dar ciertas indicaciones de cómo colocar el cuerpo para obtener un buen posado hace que obtengamos un mejor resultado final. La posición del cuerpo, los hombros, la cabeza y los ojos son los elementos principales a trabajar.

Y tú ¿tienes en cuenta algún aspecto adicional?


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Fotos del concierto de Agon Band

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Este fin de semana he tenido la oportunidad de hacer fotos para Agon Band, el grupo dónde mi amigo Raúl toca el bajo. Se celebraba el primer aniversario de la banda y allí nos plantamos para disfrutar del momento en buena compañía.

Me llevé la cámara para hacer unas cuantas fotos de la actuación, y aquí os explico cómo lo plantee

El equipo 

El concierto se celebraba en una sala acondicionada para este tipo de eventos. Totalmente oscura y con muy poca iluminación, aparte de algunos focos que iluminaba a la banda. Esto hacía que obligatoriamente tuviera que usar un flash. Hice algunas pruebas con el grupo que precedió a Agon Band, y decidí que iba a usar un gel naranja en el flash junto con un ajuste de balance de blancos a fluorescente.

Vale, vamos por partes. Primero, ¿por qué estos ajustes? La intención es añadir una tonalidad cálida a las fotos. Las fotos con el flash desnudo no me acabaron de gustar, ya que daba a las imágenes una tonalidad demasiado fría, e incluso verdosa. Los tonos fríos no son demasiado favorecedores, así que me decidí por esta opción. Un gel de flash, es un trozo de celofán de color naranja que se añade justo delante de la antorcha del flash. Esto hace que la luz tome un tono anaranjado, justo lo que quería conseguir. Además, al ajustar el balance de blancos a "fluorescente" iba a potenciar el efecto. Recuerda cómo funciona el balance de blancos en este artículo.

Aparte de eso, ajusté la cámara a una velocidad relativamente abierta (entre 1/60 y 1/40), una apertura entre 5,6 y 7 y una sensibilidad que estuvo casi siempre en ISO 800. Utilicé un objetivo "todoterreno" como el 18-200mm. Eso me permitía jugar con los encuadres, y poderme acercar lo suficiente para tomar algún buen primer plano.

Postproducción

En el momento de la postproducción, aparte de reencuadres y alineamientos alineamientos varios, tuve que tener una especial atención a los ajustes de colores. Al usar una luz naranja de forma intencionada, tuve que prestar atención a que no me hubiera pasado demasiado.

En algunas fotos, también jugué con el procesado en blanco y negro, ajustando mayoritariamente por los tonos amarillentos. Es decir, los tonos amarillos son los que aparecen más claros en la imagen en Blanco y Negro.

Aquí abajo os dejo alguna de las fotos que hice, y aprovecho la ocasión para presentar a los componentes de Agon Band. No dudes en visitar su página de facebook y por supuesto, ¡no te pierdas sus próximos conciertos!
Puedes ver alguna más en mi galería de Flickr.


Jordi Barceló, cantante de Agon Band
Jordi Barceló
Raúl Oliva, bajista de Agon band
Raúl Oliva  
Ariadna Rius, batería de Agon Band
Ariadna Rius

Xavi Sena, teclista de Agon Band
Xevi Sena

Ramón Basomba, guitarra de Agon Band
Ramon Basomba



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Ocho aspectos a tener en cuenta en una buena foto de perfil profesional

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Desde hace un tiempo han habilitado fotos de perfil en el programa de correo corporativo de la compañía dónde trabajo. Todos los empleados tenemos la posibilidad de añadir una imagen que nos identifique, cosa que en gran medida se está adoptando por todos. Sin duda, un una compañía multinacional y en entornos realmente globalizados, dónde trabajas, por ejemplo, con Estados Unidos, Europa e India en un mismo proyecto, el hecho de ver la cara de tu interlocutor te da una sensación de proximidad que todos apreciamos.

También últimamente me estoy paseando más por LinkedIn, la red social de contactos profesionales. Evidentemente, tratándose de una red social, también tenemos la opción de añadir nuestra imagen de perfil y también allí queremos transmitir una imagen adecuada de nosotros mismos.

Me he dado cuenta en ambos casos que no todas las fotos de perfil profesional son las más adecuadas. Quizá no prestamos atención a ciertos detalles que pueden marcar la diferencia. Me he propuesto hacer una lista de los principales aspectos que debemos tener en cuenta en las fotos de perfil profesional así que allá vamos:

Foto demasiado oscura

Empezamos por lo fundamental; fotos oscuras. Encontrarse con fotos demasiado oscuras suele ser relativamente habitual más que fotos demasiado claras. Pero, ¿por qué pasa esto? bien, una de las razones más habituales es que hacemos la foto en modo automático en un entorno con mucha luz. La cámara decide entonces que el entorno iluminado debe aparecer bien expuesto y decide aplicar unos ajustes que hacen que la persona en primer plano aparezca demasiado oscura. Afortunadamente esto tiene solución. Mira lo que decíamos en una entrada anterior de este mismo blog acerca de "El misterio de las fotos oscuras".

Si nos centramos en fotos de perfil profesional, deberíamos cuidar este aspecto. Una foto bien expuesta será buena carta de presentación. Selecciona de tus fotos la que tenga un buen balance.

Encuadre: Demasiado espacio por encima

Este es uno de mis temas favoritos, en el encuadre, y en particular el espacio que suelen dejar muchas fotos en la parte superior. Trata de evitar esto. Cuida el encuadre y ajústalo para que no aparezca demasiado espacio por los lados, y mucho menos en la parte superior.

Si lo haces, y dejas demasiado espacio por encima de la cabeza, la persona aparecerá demasiado abajo y no será nada atractiva. Aparecerá empequeñecida y dará la sensación de poco trabajada. Una vez dicho esto, tampoco nos vayamos a los extremos y no recortes demasiado la foto. Deja espacio pero no excesivo.

Una regla que me gusta aplicar es centrarse en los ojos, y situarlos aproximadamente en el tercio superior del encuadre. Es posible que haciendo esto incluso el encuadre por la parte superior llegue a recortar parte del pelo o de la cabeza. Puedes llegar a recortar un poco pero tampoco nos podemos pasar.

Encuadre: Cuellos cortados

Otra de mis manías es la de los "cuellos cortados" en particular, y en general, las articulaciones cortadas. Lo expliqué en otra entrada de este blog cuando hablábamos de como componer con personas y de las dichosas articulaciones. En resumen, prohibido encuadrar a una persona por las articulaciones y mención especial al cuello. Nunca, repito, nunca recortemos una foto por el cuello.

La razón es bien simple, da la sensación de cuello cortado y esto es extremadamente desagradable. Por tanto, procura incluir parte de los hombros en tu encuadre. Con eso conseguirás disipar esa sensación y dar un aire más natural a tu retrato.

Encuadre: Los ojos y la mirada

Los ojos son lo más importante en un retrato. Hay que procurar siempre que los ojos estén bien enfocados y asegurar que los tenemos en el encuadre bien colocados. Si tienes un arranque de originalidad y haces un retrato en el que aparece media cara, cuidado. Es posible que en un entorno más desenfadado y en según que ambientes profesionales pueda ser bien visto pero en general yo no me la jugaría y optaría por un retrato más convencional.

En cuanto a la mirada, también cuidado. El convencionalismo nos lleva a decir que deberíamos mirar de frente a la cámara. Mirar de frente transmite contacto directo y proximidad. En general esto es lo que queremos transmitir con nuestro retrato profesional.

De nuevo, otras opciones como mirar a un lado también pueden quedar bien, pero ojo con lo que transmitirá tu imagen. Si optas por esta opción procura que lo que transmites no sea "distancia" o "falta de proximidad". Cuida bien este aspecto porque como comentaba, los ojos son el elemento principal de un retrato. Como seres humanos somos extremadamente buenos identificando caras y en particular ojos. Somos capaces de identificar a alguien entre la multitud en cuanto hacemos contacto visual, así que presta atención a este aspecto

Punto de vista

Terreno pantanoso. Si hablamos de retrato de perfil profesional, pon atención a la posición de la cámara. En general, suelen favorecer posiciones de cámara alineadas con la altura de los ojos. De nuevo, vamos a transmitir proximidad. Otras opciones como situar la cámara en posiciones por encima o por debajo de esa línea de los ojos deben de considerarse con cuidado.

En general no pasa nada si el punto de vista está un poco por encima o por debajo, pero atención si nos pasamos. ¡He visto alguna foto de perfil que debe estar hecha a la altura de las rodillas! En general, estos extremos no nos van a favorecer puesto que exageran la perspectiva y "deforman" las proporciones de la cara. Mi consejo entonces es que procures situar la cámara a la altura de los ojos y evites experimentos

El fondo

Fundamental. En general, en fotografía, el objetivo es resaltar el sujeto que fotografiamos por encima de todo lo demás. En en caso que nos ocupa, queremos resaltar el retrato de una persona. Por tanto, debemos cuidar el fondo de nuestra imagen para evitar distracciones. Si lo hacemos, la mirada del espectador se dirigirá directamente al retrato en lugar de distraerse con el fondo.

Por tanto, procura eliminar distracciones del fondo. Para ello hay varias técnicas. La más sencilla es buscar un fondo neutro y situar allí a la persona a retratar. En general prefiero fondos en tonos claros (blancos incluso), porque de esta forma resalta más el retrato. Aunque hay que decir que esto va un poco a modas y a gustos personales (todos hemos visto fotos de perfil con fondos azul oscuro ¿no?). La regla general es que el fondo no sea una distracción.

La pose

Bien, ¿cómo posamos para un retrato? Me gusta transmitir dinamismo en un retrato corporativo, así que me gusta evitar la foto totalmente de frente estilo "cárcel". Sabes a lo que me refiero ¿no? de frente y totalmente en paralelo a la cámara. Para transmitir un poco de dinamismo, me gusta situar el retrato un poco de perfil; esto es con el cuerpo ligeramente girado respecto a la cámara pero mirando de frente a ella.

Para conseguir esto, un truco muy sencillo; primero situamos a la persona totalmente de frente a la cámara y le pedimos que adelante un pie un poco por delante del otro. Con unos 15-20 centímetros nos vale. Al adelantar un pie y pedir que sigamos mirando de frente a la cámara, hacemos que el cuerpo gire un poco. Con esto conseguimos que el cuerpo quede ligeramente en diagonal mientras que la cara se mantiene completamente de frente, y creamos una foto un poco más dinámica

La calidad de la imagen

No creo que tenga que añadir muchos comentarios aparte del título de esta sección. Por favor, la calidad de la imagen que sea decente. Evitemos fotos de mala calidad, pixeladas, borrosas....si el retrato va a decir algo de ti supongo que no vas a querer transmitir que eres de "baja calidad" ¿no?


¿Te parece un buen resumen de lo que debemos tener en cuenta en una foto de perfil profesional? Si me he dejado alguno, por favor, deja tu comentario

NOTA: He incluido una foto mía al inicio de este post ya que considero que es un buen ejemplo de foto de perfil profesional. He querido evitar la inclusión de ejemplos de fotos mal ejecutadas por razones obvias. Si quieres ver algún ejemplo de estas fotos de perfil profesional te recomiendo que te fijes en fotos que puedes encontrar, por ejemplo, en tu red de contactos de linkedin


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¿Qué es la hora azul?

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Recuerdo una conversación con mi mujer hace tiempo acerca de la hora azul. Sucedió que un día le dije que se fijara en el tono azul intenso del cielo en ese preciso momento. Fue un poco incrédula al principio pero tras una breve explicación quedó convencida que ese azul intenso no era una casualidad sino que es un fenómeno que ocurre cada día, al que llamamos hora azul.

¿Voy a hablar de astronomía? No, para nada...bueno un poco. La astronomía no es el tema de este blog. Sin embargo sí hablaré de ese periodo de tiempo diario en el que observamos un cielo azul intenso y precioso que bien vale que cojamos la cámara y salgamos a hacer fotos.

¿En qué consiste la hora azul?

Lo dicho, la hora azul es un periodo de tiempo diario en el que observamos un precioso tono azul intenso en el cielo. Este periodo de tiempo, en realidad dos, los observamos justo después de la salida del sol y también justo antes del anochecer. La duración de estos periodos es variable, ya que depende de la época del año en que nos encontremos y en el lugar del planeta dónde estemos localizados. Es decir de la posición relativa del sol respecto a la posición del observador en la tierra. Vale vale, esta va a ser toda la astronomía que voy a incluir en este artículo (no sé mucha más lo admito ;-P)

Volviendo al tema, la hora azul comprende estos dos momentos del día, y por cierto, no son precisamente periodos de una hora exacta. De nuevo, la duración de esta "hora" azul es variable.

El efecto se produce cuando la cantidad de luz que proviene del sol es baja, cosa que observamos, como decía arriba, justo después del amanecer y justo antes del anochecer. Al hacerlo, el azul del cielo gana en intensidad. Este principio que observamos en la naturaleza también aplica en nuestro día a día; contra menos luz hagamos llegar a un objeto más intensos serán los colores que obtengamos.

Veamos un par de ejemplos:

Ejemplo de Hora Azul
Foto de Samuel Sharpe en Flickr

Ejemplo de Hora Azul
Foto de Rafael Aleixo en Flickr


¿Por qué es importante la hora azul?

La hora azul permite que captemos un azul intenso en el cielo, cosa que compositivamente es muy poderosa. Normalmente el cielo aparece de un color azul claro, muy claro. El hecho de obtener un cielo azul intenso junto con otros componentes iluminados, le confiere a la imagen de un aspecto atractivo. Si hacemos, por ejemplo, fotos en ciudad, el contraste del cielo azul y los edificios iluminados combinará perfectamente.

Cuando hablaba en otra entrada sobre el color y los colores complementarios, decíamos que los colores debían aparecer en armonía y que existían incluso algunas reglas para poder conseguirlo. Por ejemplo, el azul (del cielo) con el amarillo (de la iluminación de los edificios) son colores opuestos y combinados en una proporción de aproximadamente 2 a 1 (dos de azul por una de amarillo) conseguiremos una buena composición. De forma bastante natural obtendremos esta proporción cuando salgamos a hacer fotos aprovechando la hora azul. Podemos hacer que el cielo nos ocupe una buena porción de la imagen, mientras que el resto la puede tomar la zona iluminada.

Una advertencia, la hora azul pasa muuuuuuy rápido. Es un momento fugaz, y las condiciones cambian minuto a minuto. Por ejemplo, si salimos a la tarde, observarás que se hace de noche bastante rápido, y que el azul intenso del cielo se convierte en oscura noche en un abrir y cerrar de ojos. Ten en cuenta que las condiciones de luz cambiarán súbitamente, así que atención con los controles de la cámara y ten a mano el trípode.

¿Cómo puedo saber cuándo puedo observar la hora azul?  

Para saber cuando exactamente se puede observar la hora azul en función de dónde estemos localizados y de la época del año en la que nos encontremos, existen muchas herramientas en la red. También tenemos a nuestra disposición aplicaciones para dispositivos móviles que son una buenísima opción también. Yo utilizo algunas, así que te dejo algunas referencias por si las quieres usar también:

SunCalc: Esta es mi favorita. Es una web que permite definir la fecha y la posición dónde nos encontramos y con eso nos muestra un mapa (Google maps) con un indicador gráfico del recorrido del sol en ese momento y lugar. Nos indica la posición del sol en un preciso momento. Esto no tiene que ver con la hora azul pero sabiendo la posición del sol podemos saber si en un preciso momento tendremos el sol allí donde nos gustaría tenerlo... Sobre la hora azul, esta web dispone de una barra en la parte superior donde nos podemos desplazar en las horas del día, y allí nos indica la hora azul. Por ejemplo, hoy desde dónde me encuentro en este momento, me indica que la hora azul se extiende entre las 7:05 - 7:25 por la mañana y entre las 20:15 - 20:45 por la noche.

The Golden Hour: Otra forma de llamar a la hora azul es la hora dorada "golden hour" en inglés. Esta web también esta muy bien y representa gráficamente muy bien el fenómeno de la salida y puesta del sol. De nuevo, debemos introducir fecha y localización para obtener el resultado.

The Photographer's ephemeris. Esta es una aplicación para instalar en tu ordenador también disponible para dispositivos móviles. De nuevo, incluye funcionalidades similares a las anteriores permitiendo calcular los periodos de hora azul del día.


¿Conocías la hora azul? ¿Tienes algún ejemplo con el que hayas experimentado?


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Una guía de para controlar la luz ambiental cuando usamos el flash

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Una de las cosas que incorporamos cuando usamos un flash es una nueva fuente de luz. Efectivamente es una fuente nueva, ya que normalmente usamos el flash junto con luz ambiental. Nuestro flash actuará en muchas ocasiones como luz principal (no siempre) pero sucede que también queremos controlar la luz ambiental de la escena, en concreto la cantidad de luz que queremos que incida en nuestra imagen.

Resumiendo, usamos el flash y disponemos ahora de dos fuentes de luz, la ambiental y la propia del flash. La siguiente pregunta que se nos puede ocurrir es: ¿podemos controlar ambas luces? ¿Podemos hacer que nuestro sujeto aparezca correctamente iluminado con la luz del flash pero al mismo tiempo hacer aparecer la luz ambiental? Claro que podemos.

Una experiencia reciente

Hace apenas unos días he tenido la suerte y el privilegio de hacer fotos en un escenario excepcional, la Sagrada Familia de Barcelona. La ocasión fue el ensayo de una coral al cuál me invitaron a recoger el momento. El ensayo estaba planificado para las 21:00 de la noche. Como te puedes imaginar, la luz disponible dentro del templo era la que provenía de la iluminación artificial y nada más. A esas horas de la noche no se dispuso de nada de luz natural. Por lo tanto, el uso del flash se hizo imprescindible para tomar algunas imágenes.

Y ¿cómo lo hacemos? Resumiendo mucho, la regla es la siguiente: la apertura del diafragma controlará la luz del flash mientras que el tiempo de exposición controlará la luz ambiental. Es decir, una vez exponemos correctamente para la luz del flash, podemos jugar con el tiempo de exposición para hacer que la luz ambiental aparezca. Recuerda que con tiempos más largos captamos más luz que con tiempos cortos.

Vemos un ejemplo de la foto de grupo que hicimos durante el descanso del ensayo. En la primera imagen, el tiempo de exposición fue de 1/60 segundos. Esto hace que captemos muy poca luz ambiental del templo. Sin embargo, en la segunda imagen, la velocidad pasó a 1/10, casi tres pasos pasos más o ¡ocho veces más luz! por lo que la diferencia es bastante evidente.

Foto grupo poca iluminación ambiental
f5,6 1/60 iso800

Foto grupo mayor iluminación ambiental
f5,6 1/10 iso800

¿Cómo es posible? 

Y ¿cómo puede ser que aún aumentando el tiempo de exposición en dos pasos no hayamos "quemado" toda la zona donde estaba iluminando el flash? Para responder a esta pregunta sólo hay que darse cuenta de algo, la luz del flash es un destello muy corto de luz. Es decir, que en todo el tiempo que el obturador está abierto, la luz del flash incide en una minimísima fracción de tiempo. Pongamos que el destello del flash dura 1/10.000 segundos. Con ese intervalo, da igual si abrimos nuestro obturador durante 1/60 o 1/15 segundos. La luz del flash que llegará al sensor será la misma. Recuerda, hablamos de la luz del flash y no de la luz ambiental. En cambio, la luz ambiental es luz contínua y por tanto, en una exposición de 1/15 entrará cuatro veces más luz contínua que en una exposición de 1/60.


Una pequeña guía

Si quieres practicar con esto, busca un lugar dónde necesites usar el flash (un interior por ejemplo) y asegúrate que dispones de alguna luz ambiental, ya sea artificial o natural. Mueve el dial de tu cámara a manual y sitúalo a f5,6 y 1/125 iso 200. Usa tu flash en automático y haz una primera prueba. Estoy casi seguro que la foto saldrá bien expuesta. Ahora fíjate en la luz ambiental. Es posible que no hayas captado demasiada ¿verdad?. Bien, ahora simplemente aumenta el tiempo de exposición a 1/60 y vuelve a hacer la prueba. De nuevo, tu sujeto principal iluminado con el flash aparecerá bien expuesto y ¡oh sorpresa!, has captado más luz ambiental. Puedes hacer otra prueba con 1/15 y fíjate que ya captas mucha más luz (la foto saldrá movida probablemente, pero ahora eso no importa)

Así que ya sabes como controlar la luz ambiental con tu flash. Espero que te haya servido.


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Que es el full frame y que ventajas e inconvenientes tiene

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Foto de mrjorgen en Flickr

No hace demasiado, hablando con un amigo sobre cámaras, surgió el tema de si vale la pena pasar a full frame y que ventajas ofrecen. Pero primero de todo, ¿te parece que explique primero que es una cámara full frame y luego hablamos de sus ventajas e inconvenientes?

Cámara full frame

O dicho de otra forma, cámara de sensor completo o de 35mm. Pues eso, simplemente, una cámara full frame es la que dispone de un sensor de tamaño análogo al tamaño del cuadro de la película de las cámaras analógicas. Es decir, el tamaño del sensor tiene unas proporciones de 36x24mm. Tan simple como eso.
En realidad las cámaras digitales no adoptaron de forma tan natural el formato de las cámaras analógicas. El elevado coste de producir un sensor de ese tamaño, hizo que las marcas desarrollaran sensores más pequeños y claro, más baratos. Posiblemente el más extendido entre las cámaras SLR sea el formato APS-C, aproximadamente 1.5 / 1.6 veces más pequeño. Además en cámaras más pequeñas o compactas, el factor tamaño y coste es muy determinante, y por tanto el uso de sensores todavía más pequeños es un factor clave.

Tenemos entonces un panorama donde el uso de sensores pequeños empieza a proliferar y se deja los sensores full frame para la gama más alta del espectro de cámaras de las grandes marcas. Esto esta empezando a cambiar y cada vez más vemos precios más adecuados y la aparición de cámaras full frame low cost. Estoy seguro que la tendencia continuará y que cada vez más vayamos adoptando el formato completo.

Pero, ¿y que ventajas tiene?

Busca por Internet sobre este tema y encontrarás millones de recursos comparando el formato full frame con otros tamaños de sensor. Se comparan muestras de fotos tomadas con ambos tamaños etc. Yo te voy a explicar la teoría que hay detrás de todo esto.

Comparación distintos tamaños de sensor
Ejemplos de diferentes tamaños de sensor

Un sensor está compuesto por un conjunto de celdas fotosensibles que captan la luz. Cada celda se corresponde con un punto digital que llamamos pixel. Como hay muchos, adoptamos la nomenclatura digital de Megapíxel, que simplemente quiere decir "millón de pixels". Te suena ahora este término ¿verdad?

Para ver lo que pasa, supongamos que tenemos un sensor full frame y, para comparar, un sensor APS-C, que físicamente es más pequeño. Bien, ahora supongamos que ambos sensores tienen la misma cantidad de celdas fotosensibles. Ahora hay que darse cuenta que en sensor full frame tendrá las celdas más grandes en tamaño que el sensor APS. ¿Es esto muy importante? ¿El tamaño importa? Efectivamente, el tamaño de las celdas importa. Recuerda que te he comentado que al final cada celda fotosensible se transforma en un píxel de nuestra imagen digital, así que podríamos pensar que el resultado debería ser idéntico ya que disponemos en ambos casos de la misma cantidad de pixels. Vaya, y ¿dónde está el truco? No hay truco. La teoría dice que al ser las celdas fotosensibles más grandes en el caso de un sensor full frame, lo que pasa es que una mayor cantidad de fotones impactan cada celda, y que por tanto cada celda capta más información y que de esta forma, la calidad de la imagen obtenida aumenta. Precioso ¿no?

Por lo tanto, la principal ventaja de un sensor full frame, ya hemos visto que es la calidad de la imagen resultante debido a que las celdas son relativamente más grandes.

Si quieres una herramienta para comparar diferentes tamaños de sensor, puedes visitar este artículo publicado hace un tiempo dónde podréis obtener gráficos como el de más arriba que ayudan a comparar visualmente los distintos tamaños de sensor.

Principal inconveniente: coste

Claro, no todo iba a ser tan fácil. Junto con la ventaja de la calidad de las imágenes, debemos sopesar los inconvenientes de este formato, ente el que destaca el precio. Efectivamente, construir sensores full frame tiene un precio, aunque hay buenas noticias. Las principales marcas están empezando a introducir cámaras full frame de iniciación, a un precio relativamente barato.

Construir los correspondientes objetivos compatibles con el formato full frame también tiene su coste. Efectivamente, los objetivos tienen que ser específicos para ese formato, por lo que si estás usando objetivos para formatos APS-C, es posible no acaben de funcionar bien en cámaras full frame. Esto se debe a que como el sensor APS-C es más pequeño, los objetivos para ese formato se adaptan a ese tamaño de sensor. Al quererlos usar en un sensor más grande, nos encontramos que posiblemente las imágenes que obtengamos estén viñeteadas (zonas oscuras en los bordes de la imagen).

Y entonces, ¿vale la pena?

Claro, esta es la eterna pregunta ¿vale la pena?. Difícil de contestar. Por un lado tenemos la ventaja del aumento de la calidad y por otro el del aumento de coste. Es por tanto una opción claramente profesional, aunque como comentaba, cada vez más, las marcas están apostando por un segmento full frame de iniciación, y por tanto, por una reducción de costes significativas. ¿Veremos algún día cámaras full frame a precios realmente competitivos?....veremos.

Responder a la pregunta de si vale la pena es como la de contestar cuál es el coche que más te conviene...¡depende de muchos factores!


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Tres razones para tener un objetivo de focal fija además de tu zoom

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Foto de 55Laney69 en Flickr
Posiblemente una de las primeras cosas que hacemos cuando nos adentramos en el mundo de la fotografía es comprar algún objetivo para complementar el kit inicial que acabamos de adquirir. Normalmente las miradas se centran en teleobjetivos, aquellos que permiten obtener una imagen cercana de objetos a cierta distancia. Es quizá lo que nos llama poderosamente la atención y es nuestra primera opción de compra. Por supuesto, tampoco dudamos en que lo que necesitamos es un "zoom", para poder ser más versátiles y poder abarcar un amplio rango de encuadres sin tener que cambiar nuestra posición.

¿Hay algo de malo en todo esto? ¡Para nada! no hay absolutamente nada malo con esto, todo lo contrario. Practicar con diferentes tipos de objetivos es siempre bueno. Si cuento mi experiencia personal, lo que describo arriba es posiblemente lo que yo también he experimentado. Buscar un teleobjetivo y jugar con él fue la primera adquisición fotográfica que hice ya hace unos años, y he pasado también por los objetivos "todo terreno". Me encantan todas estas opciones y estoy muy contento. Sin embargo, quiero también contar las bondades de unos pobres olvidados: los objetivos de focal fija.

Primero de todo ¿qué es un objetivo de focal fija? Un objetivo de focal fija (o objetivo "prime" en inglés) es un objetivo de una focal determinada que por tanto no dispone de un anillo de zoom. Dicho en otras palabras: lo que ves es lo que hay. Un objetivo de estas características, por ejemplo, podría ser un 50mm que únicamente ofrece la posibilidad de obtener esa focal y no nos podemos mover de ahí. Los hay de todo tipo de focales, desde angulares a objetivos "normales" como el mencionado 50mm e incluso teleobjetivos fijos como 300mm, 400mm, 50mm etc.

Y la pregunta que nos podemos hacer podría ser: ¿y es práctico? ¿vale la pena?. Aunque no lo parezca, sí, lo es, y te voy a exponer unas cuantas razones por las que deberías tener uno en tu mochila, y me referiré sobretodo a los de focal "normal" ya que son los que se pueden considerar más versátiles.

Calidad

Primero de todo hay que destacar la calidad de los objetivos fijos. Al no tener componentes móviles y, por tanto, al tener una construcción mucho más sencilla, estos objetivos suelen tener una calidad superior a los objetivos zoom. Por el mismo motivo, por esa construcción más sencilla, los objetivos son normalmente más luminosos, alcanzando aperturas bastante grandes. No es nada extraño encontrarse aperturas de f1.4 o f1.8 en un objetivo de estas características.

El hecho de tener aperturas muy grandes hace que sea un objetivo ideal para jugar con la profundidad de campo reducida que podemos obtener. Nos permite, por tanto, aislar nuestro sujeto del resto de la imagen y hacer que destaque en el encuadre.

Precio

De nuevo, la construcción sencilla de estos objetivos hace que su precio sea también relativamente bajos. Las marcas suelen poner en el mercado objetivos fijos que pueden rondar los 100€-200€. Mi experiencia personal os lo puede confirmar. Mi objetivo 50mm 1.8 de Nikon costó alrededor de los 100€.

Haciendo un rápido rastreo en eBay también podemos encontrar algunos ejemplos:
Nikon 50mm f1.8: 92,90€
Nikon 35mm f1.8: 186,55€
Canon 50mm f1.8: 84€

Comodidad

Otro punto a favor de los objetivos fijos es la comodidad con la que se trabaja con ellos. Son normalmente pequeños y ligeros y por tanto no son nada aparatosos. Muy cómodos de llevar en la mochila sin por ello tener que cargar con un peso excesivo. Es un objetivo para llevar siempre en la mochila y echar mano de él en cualquier momento. Objetivos como los mencionados arriba tienen un peso de aproximadamente 130-150 gramos, bastante más livianos que los objetivos zoom que típicamente pesan entre 500 y 750 gramos.

Por otro lado, el hecho de no tener anillo de zoom, o mejor dicho, hacer que nuestro zoom pase a ser nuestros pies, facilita que nos concentremos en la composición de nuestra imagen. El encuadre de nuestra foto depende exclusivamente de nuestra posición y esto hace que debamos ser más dinámicos en la escena, tratando de buscar el mejor ángulo y la mejor posición.

Conclusión

Considerar un objetivo de focal fija es siempre una buena idea. Su alta relación calidad precio junto con la comodidad de manejo hacen que sea una opción muy atractiva. Si no lo has probado todavía ¡te animo a ello!


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Las cinco razones para no imprimir una foto en brillo

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Foto de Darren Johnson en Flickr


A raíz de un reciente artículo de este blog sobre los aspectos a valorar en el momento de imprimir y enmarcar una foto, he recibido muchos comentarios acerca de mi valoración acerca de la impresión en mate, y más concretamente de lo contrario, de NUNCA imprimir una foto en brillo. Por esta razón me dispongo a exponer mi punto de vista, eso sí, totalmente subjetiva.

Primero de todo ¿es necesario?

Efectivamente. El acabado en brillante le confiere a la foto un efecto de acabado "húmeda". Y digo yo, ¿Qué necesidad hay? ¿Qué gracia tiene? Yo no se la veo, la verdad. Me gusta que las fotos al imprimirlas sean tal como se han pensado que sean, sin añadir nada como esta capa brillante a modo de barniz. Lo encuentro feo y ya de otra época. Hoy en día que los fotógrafos tienen mil oportunidades de poder editar sus trabajos de una forma u otra ¿tiene que ser en el último paso, el de la impresión, en el que añadamos un barniz? Yo creo que no. Me gusta más que la foto tenga el aspecto natural del acabado en mate. Es posible que hace años, en la era analógica, el imprimir en brillo era casi necesario, sobretodo en el entorno amateur. Hoy en día no lo creo oportuno. Pasemos página por favor.

Produce reflejos

Otra de las razones principales para no imprimir en brillo es simplemente que la foto en si produce reflejos y hace que ver la foto sea una incomodidad total. ¿No te ha pasado? ¿No te has encontrado nunca viendo fotos familiares y tener que girar la foto o la cabeza para poder ver algún detalle? El error está en el acabado. El acabado produce, claro está, un reflejo incómodo que no se produce con el acabado en mate, y eso es para mi ya una razón de peso para no hacerlo jamás.

Son más delicadas de manipular

Un aspecto práctico esta vez. El acabado en brillo deja una película encima de la foto que la hace bastante más difícil de manipular. Es cierto que esto ha mejorado mucho. Recuerdo hace muchos años que las fotos se tenían que casi tocar con guantes y que si ponías un dedo encima corrías el riesgo de perpetuar una huella por los siglos de los siglos. Los arqueólogos del próximo milenio se pondrán las botas con esto y alucinarán cuando encuentren huellas incrustadas todavía en la superficie de alguna foto....aunque en realidad, cuando simplemente vean el acabado en brillo seguro que dirán, "ah sí, acabado en brillo, entonces debe tratarse del siglo XX principios del XXI". Digo principios del XXI porque tengo la esperanza de que acabar con esto algún día no muy lejano :-)

Imprimir en brillo es manipular la fotografía

He escuchado el argumento de que en brillante se "remarcan los colores" e incluso alguien recomendando la norma de que si imprimimos en color lo hagamos en brillante y si es en blanco y negro lo hagamos en mate. ¿Qué argumento es ese?. Precisamente por eso, remarcar los colores o hacer que sean más vivos, es una decisión del propio fotógrafo. Quiero decir, de alguna forma, el acabado en brillo ¡es una forma de manipulación del trabajo del autor!

Vale lo admito, el argumento está cogido por los pelos, pero es bien cierto. Si la excusa para imprimir en brillo es que "queda mejor", es que estamos alterando el trabajo del fotógrafo añadiendo un acabado extra. Es posible que el fotógrafo no esté de acuerdo ¿no?

Es una cruzada personal, ¿qué pasa?

Y por último, claro, la cruzada personal de apostar por el mate y desterrar de una vez el acabado en brillo. Lo sé, no llevan a nada y no tienen demasiado alcance, pero me gusta embarcarme en este tipo cosas. Tiene un punto romántico. Es el mismo tipo de cruzada que la reivindicación de los signos de interrogación o de admiración iniciales (¿¡). En un texto formal como el artículo en un blog esto no tiene importancia, ya que evidentemente los signos iniciales van a estar allí seguro....el mérito viene cuando estos signos aparecen en un chat por teléfono móvil, donde tienes que ir hasta a una tercera pantalla del teclado para buscar el maldito ¿ o ¡.

En este tema de las fotos en brillo o en mate va a ser lo mismo. Aquí lo dejo para que lo reflexiones y lo valores tu mismo. Si digo que no quiero convencerte de la conveniencia de imprimir en mate, mentiré, claro que quiero convencerte. Al menos mi intención es que la próxima vez que en la tienda de fotos te digan aquello de "brillo o mate" se te cruce inmediatamente un flash mental y te acuerdes de aquél artículo que leíste no sabes dónde que te decía "¡en mate! ¡imprime en mate!". ¡Únete a la cruzada!


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Seis aspectos que debes valorar al imprimir y enmarcar una foto

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Recuerdo hace un tiempo en la clase inicial de un curso de fotografía, y tras debatir brevemente entre los alumnos, la profesora definió la fotografía como "un objeto que se puede tocar". Efectivamente, la fotografía es un trozo de papel dónde hemos plasmado una imagen y efectivamente se puede tocar y trabajar con él. Siempre recuerdo esas palabras porque estando en la era digital la excepción suele ser que imprimamos nuestras fotografías e incluso que lleguemos al punto de enmarcarlas.

En este artículo describo los diferentes aspectos que tengo en cuenta para pasar de la imagen en digital a la foto finalmente enmarcada

Color o blanco y negro

Podríamos pensar que la decisión de dejar la imagen en color o en blanco y negro en realidad es parte del proceso de obtención y procesamiento de nuestra imagen. Es decir, es parte de la decisión de si una imagen debe quedar en color o mejor en blanco y negro. También puede ser una opción estrictamente personal (ejemplo: "yo sólo hago fotos en blanco y negro"). Es cierto, siempre es así. Pero ¿qué pasa cuando elegimos una foto para ser imprimida y enmarcada? Es muy posible que empecemos a pensar un poco más allá de la foto en sí para incluir los elementos más allá de la propia imagen obtenida: ¿para quién es?, ¿cuán grande vamos a querer la foto?, ¿dónde va a estar expuesta?, ¿va a formar parte de una composición de otras fotos?, etc.

Es todo esto lo que a mi me hace pensar muy bien si vale la pena pasar a blanco y negro o mejor dejarlas en color. No tengo una regla clara. Lo que me gusta hacer es hacer una pequeña composición de las fotos que quiero imprimir y ver como funcionan todas ellas juntas. A partir de ahí tomo una decisión. Mira por ejemplo lo que hice recientemente con unas fotos de mi hija Noa; primero coloqué las imágenes en color en una composición determinada (esta no es la composición final). El objetivo es ver como funcionan todas las imágenes juntas, y valorar el conjunto:


Composición fotos en color

A continuación hice lo mismo con una versión en blanco y negro.

Composición fotos en blanco y negro


Cuestión de gustos, pero en este caso, me gustó más la opción en blanco y negro. Le da más uniformidad al conjunto y creo que funcionan mejor. De nuevo, cuestión de gustos.

Recorte

El recorte de la imagen (el crop) es un aspecto vital cuando vamos a reproducir nuestra imagen en papel. la razón es que los formatos que ofrecen los laboratorios no tienen porque ser los que encajen con la proporción 3x2 de las cámaras digitales. Es por eso que se vuelve imprescindible trabajar el recorte de la imagen en función del formato de impresión que queramos obtener. En el ejemplo de las imágenes comentadas más arriba, el formato que elegí para las fotos es 24x30.

Ejemplo de recorte efectuado a 24x30

En la imagen superior puedes ver el tipo de recorte efectuado en una de las fotos. Puedes ver que la diferencia de formato es significativa y esto obliga a pensar muy bien en cómo efectuar el recorte. Es un buen momento para poner en practica los conocimientos de composición, ya sean aspectos generales como el encuadre como aspectos más específicos cuando fotografiamos personas.

Mate o brillante

No quiero ver a nadie imprimiendo una foto en brillante. Punto y final.
Va, me explico. El acabado brillante da a la imagen un aspecto de húmedo ficticio, y una vez expuestas generan reflejos bastante indeseables y molestos a para mi gusto. Si te parece que quedan mejor, ¡error! deja de hacerlo, imprime en mate y no te arrepentirás.

Laboratorios profesionales

¿Vale la pena trabajar con laboratorios profesionales?
Sin duda, vale muuuucho la pena. No lo dudes. Trabajar con laboratorios profesionales marca la diferencia. En ellos te van a asesorar sobre el resultado final de tus imágenes e incluso, si no te atreves tu mismo o no estás familiarizado, te pueden ayudar con los aspectos técnicos de tus archivos por un pequeño porcentaje del coste, todo muy razonable.

Hay que perderle el miedo. Es una lástima trabajar en las fotos, editar, recortar etc. como para que luego la impresión en papel deje mucho que desear. Ponte en manos de laboratorios profesionales ya que vale mucho la pena.

Papel

El papel sobre el que imprimimos las imágenes también importa. Si trabajas con laboratorios profesionales (ver arriba) te informaran sobre las opciones disponibles. Los papeles con mayor gramaje dan una mayor calidad al trabajo final aunque aumenten su precio también. Vale la pena preguntar en cualquier caso sobre las opciones disponibles, ya que si vamos a imprimir un trabajo que queremos exponer en algún lugar visible, seguramente querremos una buena calidad. También decir que en general los laboratorios profesionales suelen ofrecer una muy buena calidad en los acabados "estándard", pero no está de más valorar distintas opciones. Te recomiendo que hagas alguna prueba. Si tienes una foto especial que quieras imprimir, prueba un papel de buena calidad. Te costará un poco más pero te permitirá valorar si vale la pena o no.

Enmarcados

Finalmente el gran tema de los enmarcados. Este es un mundo en si mismo y es muy casi tan importante como la foto en sí. ten en cuenta que de alguna forma, el enmarcado pasa a ser la extensión de la foto, y es por eso que debemos elegir bien.
En el mercado hay miles de opciones, todo tipo de marcos, todo tipo de passepartout tamaños, colores y materiales diversos.

Primera decisión ¿passepartout sí o no?. Bien, primero decir que el passepartout es el espacio que se deja entre el marco y la foto, y pueden ser de muchos colores y de tamaños diversos. El passepartout hace que la imagen "tome aire" o "respire" en el enmarcado final, favoreciéndola y resaltándola.

Mi preferencia es a hacer siempre passepartout cuando estamos trabajando con tamaños relativamente grandes. Si vamos más allá del 20x15, creo que en vale la pena incluirlo.

En general, me suelen gustar dos estilos: el discreto y el atrevido. Sí ya lo sé ¡no tengo criterio! Me explico; el estilo discreto es aquel con un passepartout generalmente en blanco y un marco discreto, en color blanco o color plateado. También el marco en negro suele quedar bien. El estilo más atrevido suele pasar por passepartouts en colores y un marco que combine. Es aquí donde podemos empezar a jugar con configuraciones diferentes, marcos de colores más extremos; plata, morado, dorado y otros materiales como la madera.

Todo un mundo en el que recomiendo que entréis. Hay muchos profesionales en esta área que ofrecen un servicio excelente. A mi me gusta ir con mi foto imprimida y que ellos me asesoren. Lo recomiendo encarecidamente.

En cuanto tenga las fotos enmarcadas en la pared ¡os actualizo!


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