Resumen del 2012

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Foto de J. McPherskesen en Flickr

Se acerca el final del año 2012, año en que he iniciado este blog. Nació con la intención de ir explicando aspectos interesantes del mundo de la fotografía, incuyendo un curso online y derivando en compartir mis experiencias de la iniciativa Google Fotos de Negocios. El objetivo secreto fue de ir publicando como mínimo una entrada cada semana y tras todos estos meses ya puedo decir que he cumplido! Desde mediados de marzo que iniciamos esta andadura hasta hoy he publicado 63 entradas.

Como es habitual en estas fechas me gustaría a mi también hacer un resumen del año, y en mi caso lo hago de las entradas más visitadas del blog:

CF4.4 - Sistema de Zonas
Este fue un capítulo del curso de foto para explicar el sistema de zonas que nos ayuda a entender cómo funciona la exposición fotográfica.

4 pasos para iniciarse en la fotografía conceptual
Mi amigo Roger nos explicaba en esta entrada los 4 pasos para iniciarse en fotografía conceptual.

CF5.2 - Profundidad de Campo
Todo un clásico en fotografía. Este capítulo del curso de foto explicaba el concepto de profundidad de campo y los tres factores que lo determinan.

Una foto que verás en los JJOO de Londres 2012
Una foto que se hizo en uno de los campeonatos previos a los JJOO de este verano en Londres que no te puedes perder ¿la recuerdas?

Google Business Photos
En Julio compartía esta entrada sobre una iniciativa de Google llamada Google Business Photos, o en castellano, Google Fotos de Negocios. Últimamente estáis escuchando algo más sobre esta iniciativa ¿verdad?

Finalmente me gustaría desearte un fantástico 2013. Que se cumplan todos tus sueños y que te inspiren muuuuchas fotos!

CF7.2 - Exposición con flash

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Foto de John Flinchbaugh en Flickr

En el capítulo anterior del curso de foto presenté las dos formas de operación de un flash, el modo manual y el automático (o TTL). En esta entrada voy a desarrollar un poco más las diferencias entre estos dos modos centrándome en los factores que influyen en la exposición.
Antes de entrar propiamente en materia, quizá valga la pena detallar algunos aspectos clave cuando disparamos con un flash

Velocidad de sincronización

Tal como hablábamos en el capítulo anterior, el flash tiene una velocidad de sincronización determinada. Debemos conocer esta velocidad ya que en general no vamos a querer sobrepasarla para evitar fotos con partes sin exponer.

Temperatura de color

La temperatura de color de una luz de flash es aproximadamente la de la luz diurna. Esto es relevante tenerlo en cuenta ya que en muchas ocasiones usamos el flash en interiores iluminados con, por ejemplo, luz de tungsteno o luz amarilla. Cuando disparamos con flash debemos ser conscientes que estamos exponiendo para más de una luz, la luz ambiente y la luz del flash. Por tanto, trabajamos con dos temperaturas de color ¿quién dijo que iba a ser fácil?. Hablaremos de este tema en otro capítulo del curso.

Instantaneidad del flash

Vale, es obvio, el destello de un flash es instantáneo. ¿Pero que tiene que ver con todo esto? Pues es un hecho relevante. Fíjate: al ser el destello del flash algo instantáneo, la luz el flash va a llegar al sensor de nuestra cámara independientemente de la velocidad de obturación que seleccionemos para realizar nuestra toma. ¿Sí? Es decir, si decido disparar a la máxima velocidad de obturación (pongamos 1/200) o si decido disparar a 1/15, la luz del flash llegará igualmente y en la misma cantidad en ambos casos ya que es un destello instantáneo y su duración es mucho más alta que cualquiera de las velocidades de obturación que pueda escoger.


Modo manual

En el modo manual, recordemos, definimos la cantidad de luz que queremos que libere el flash. Por lo tanto, el ajuste de la potencia del flash no está para nada relacionada con los ajustes del disparo que vamos a realizar. Los factores que influyen en la exposición cuando estamos trabajando en este modo son: la apertura, la sensibilidad, la distancia entre el flash y el sujeto y la potencia del flash.
Sorpresa, ¿es que la velocidad de obturación no es un factor que influya en la exposición? La respuesta es NO, no influye. Como decía más arriba, el hecho que el destello del flash sea instantáneo hace que expongamos de la misma forma nuestra imagen independientemente de la velocidad de obturación que seleccionemos. Explicaré esto un poco más al final de esta entrada

Como decía, son cuatro los factores que influyen: la apertura y la sensibilidad tienen que ver con los ajustes de nuestra cámara y de la cantidad de luz que dejamos pasar hasta nuestro sensor. Ya hemos hablado de estos ajustes en otros capítulos del curso de foto y su funcionamiento sigue siendo el mismo cuando disparamos en flash manual.
Sin embargo, los otros dos factores, la distancia y la potencia tienen que ver más con el propio flash y su posición respecto a lo que queremos iluminar. Veamos como funcionan:

Distancia

A medida que aumentamos la distancia se reduce la luz que llega a nuestro sujeto y viceversa. Además, la cantidad de luz aumenta o se reduce en función del cuadrado de la distancia. Esto quiere decir que si por ejemplo doblamos la distancia la luz se reducirá cuatro veces. Esto se denomina la ley de la inversa del cuadrado.

Foto de Wikipedia
Este efecto será importante si queremos ajustar la exposición de nuestra escena variando la distancia del flash. Debemos tener en cuenta que esta relación no es lineal.

Potencia

A mayor potencia del flash más cantidad de luz llega a nuestro sujeto. Normalmente el flash permite ajustar su potencia en fracciones, siendo 1 la potencia máxima del flash y pudiéndola ajustar a 1/2, 1/4, 1/8, etc. Cada paso significará la mitad de la potencia del flash.

Modo automático

Mientras que en el modo manual tenemos cuatro factores que nos influyen en la exposición en el modo automático o TTL es bastante diferente: en este modo no hay ningún factor que influya en la exposición. ¿Qué quiere decir esto? Simplemente que en el modo automático es el propio flash el que va a determinar cuál es el destello adecuado para producir una exposición correcta. Por lo tanto, independientemente de la apertura y sensibilidad con la que decidamos ajustar nuestra cámara, e independientemente de la distancia a la que se sitúe el flash, la potencia del flash se va a ajustar de forma que obtendremos una exposición correcta.

¿Y que pasa con la velocidad de obturación?

Sorprendentemente cuando hablamos de exposición cuando usamos el flash, la velocidad de obturación NO es un factor que influya. Ya hemos visto más arriba que esto se debe a que el destello es instantáneo, o dicho de otra forma, el destello del flash será siempre más rápido que cualquier velocidad que elijamos en nuestro dial.

Bien, pero entonces, ¿No influye en nada? Bueno, vamos a analizarlo un poco más. En cuanto al flash, efectivamente no influye en nada, pero OJO, recuerda que normalmente aparte de la luz del flash vamos a disponer de luz ambiente y en esa SÍ que va a influir la velocidad de obturación seleccionada. Lo que se suele decir entonces es que la apertura controla la exposición del flash y la velocidad de obturación controla la de la luz ambiente.

Imagínate la siguiente situación. Retrato de una persona a contraluz con un paisaje al fondo. Al ser a contraluz queremos rellenar de luz el retrato con nuestro flash. Para no complicarnos la vida decidimos disparar en modo automático, de forma que nuestro sujeto queda perfectamente iluminado con la luz del flash con cualquiera que sea el ajuste de nuestra cámara. Bien, pero que tal el fondo. Pues bien, la exposición del fondo la vamos a poder controlar mediante la velocidad de obturación. Aumentando la velocidad reduciremos la exposición del fondo mientras que nuestro sujeto se mantendrá perfectamente iluminado.

Para profundizar más en este concepto recomiendo un artículo de Niel van Niekerk donde podrás ver ejemplos de este fenómeno. Él denomina este efecto como "dragging the shutter", algo así como "moviendo el obturador".

Otro ejemplo lo puedes ver en la foto que encabeza esta entrada. De nuevo puedes ver una escena dónde se ha iluminado a una modelo mediante un flash pero que también se ha controlado la luz ambiente disponible.

Conclusión

La exposición cuando usamos el flash funciona de forma diferente a como exponemos sin él. Debemos tener en cuenta en que modo de flash disparamos para saber que factores nos influyen. En modo manual hay cuatro factores: apertura, sensibilidad, distancia y potencia, mientras que en el modo automático ningún factor influye. La velocidad de obturación no es un factor que influya en la exposición del flash, pero sin embargo influye en la exposición de la luz ambiente, lo que nos permite ajustar a nuestro gusto tanto el sujeto iluminado como la luz ambiental disponible.

El Boo Beach Club

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Hay que pisar la arena de la playa de la Mar Bella de Barcelona para llegar a el Boo Beach Club, un restaurante y beach club con cinco espacios bien diferenciados y con unas vistas espectaculares del litoral de Barcelona.

Ha sido un gustazo espectacular trabajar con el equipo del Boo en este proyecto ya que ha representado un auténtico reto por su dificultad técnica. El recorrido pasa por una escalera de caracol que comunica la planta inferior dónde se encuentra el restaurante y la superior dónde encontramos la zona del mirador y el cocktail club. Esto ha dificultado enormemente la realización de las fotos así como el posterior post-procesado de las mismas, pero finalmente ya lo tenemos online!!

Gracias Dani y Valentina por confiar en el proyecto!!



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CF7.1 - Flash: componentes y características

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Primero de todo empecemos por definir qué es un flash. Un flash es un dispositivo que proporciona una fuente de luz que nos permitirá iluminar una escena. El flash emite un destello de luz de duración casi instantánea de temperatura aproximada a la luz del sol. La luz del flash es la que se denomina "luz blanca" (¿recuerdas cuando hablamos de temperatura en otro capítulo del curso?).

Muchas cámaras disponen de un flash. Es el que se llama flash incorporado, o pop-up flash en inglés. Suele ser un flash sencillo de poca potencia y con prestaciones limitadas. Existen otro tipo de flash llamados "externos", ya que son dispositivos aparte que se conectan a la cámara mediante una zapata de conexiones.


Partes de un flash

Típicamente se distinguen tres partes en un flash: la cabeza, el cuerpo y la zapata

Cabeza

La cabeza es la parte del flash que contiene la antorcha que emite la luz. La luz se produce al provocar una chispa en un compartimento lleno de cas Xenón. Esta chispa provoca el destello casi instantáneo tan típico de los flashes.
La cabeza es la parte móvil del flash ya que normalmente se puede girar de forma horizontal y vertical, permitiendo orientar la cabeza hacia donde deseemos.
Opcionalmente la cabeza del flash nos permitirá incorporar difusores que dispersarán la luz y no la harán ni tan direccional y ni tan dura.

Cuerpo

El cuerpo es la parte del flash donde tenemos los controles para manejarlo y dónde se aloja el generador de electricidad que permite alimentar la antorcha que emite la luz. En esta parte también se aloja la fuente de alimentación (pilas) y los sensores.

Zapata

La zapata (en ingles "hot shoe") es el punto de unión entre el flash y la cámara, dónde se transmite información entre ambos dispositivos. Ambos dispositivos transmiten información como el momento del disparo, o incluso datos de la apertura, velocidad y sensibilidad.

Potencia de un flash

Una de las primeras cosas que uno hace cuando quiere comprar un flash es mirar la potencia del mismo. Para esto la industria ha elaborado lo que se llama "numero guia". Este número guia se expresa en aperturas x metros a una sensibilidad determinada (normalmente a ISO 100). Por ejemplo, un número guia de 56 quiere decir que podremos usar el flash con nuestra cámara en apertura 5,6 a 10 metros, ya que 5,6 x 10 = 56. O podremos usar el flash de forma efectiva con una apertura 2,8 a 20 metros....

Aunque sea raro, es una forma de ver la potencia del flash y sobretodo nos permite comparar varios dispositivos. Evidentemente la potencia no es el único criterio que valoraremos en el momento de hacer una compra pero almenos este sistema permite hacer comparaciones y nos ayuda a decidir.

Modos de operación de un flash

Siendo muy simplista distinguiremos dos tipos de operación del flash: manual y automático. Hay alguno mas y lo podemos ver como variaciones de los ya mencionados, pero en esencia estos son los dos grandes tipos.

La distinción es que mientras que en el modo manual tenemos que definir la potencia del flash que deseamos, en el modo automático, la potencia del flash se determina a partir de los valores que la cámara le trasmite (apertura, velocidad y sensibilidad) además del cálculo de la distancia al sujeto que el propio flash efectúa  Es decir, mientras que en el modo manual lo que determinamos es la potencia del destello independientemente de dónde este nuestro sujeto y de las condiciones de nuestro disparo, en modo automático es todo lo contrario, independientemente de los ajustes que seleccionemos la potencia del flash se ajustará para lanzar la cantidad de luz adecuada.

Los sistemas automáticos se conocen por las siglas TTL (siglas de transistor-transistor logic) y los distintos fabricantes han construido su propio sistema, así que podremos encontrar iTTL,  eTTL, etc.

Ambos modos ofrecen sus ventajas e inconvenientes. Nos parece que el automático tiene que ser el elegido en todas las situaciones, pero no siempre es así. Si queremos hacer un uso más creativo del flash seguramente deberemos ir por una opción manual.


Cómo funciona un flash

En términos generales, un flash, pongamos en forma automática, funciona de la siguiente forma:
La cámara transmite la información de apertura, velocidad y sensibilidad al flash. En el momento del disparo, el flash emite unos destellos previos para calcular la distancia al sujeto, y con toda esa información calcula la potencia adecuada que debe emitir. En el momento en que el obturador está completamente abierto, emite el destello de luz. La luz entonces es capturada por el sensor de la cámara y se produce la imagen.

Un hecho importante es saber que el flash se emite cuando el obturador de nuestra cámara está totalmente abierto. Si recuerdas cuando hablábamos del obturador de la cámara, decíamos que este se compone de dos cortinillas. En el momento del disparo, la primera cortinilla se abre para dejar pasar la luz a través del obturador y tras un corto espacio de tiempo, la segunda cortinilla bajaba y volvía a ocultar el sensor. Lo que pasa en realidad es que a velocidades altas, nuestro obturador empezará a bajar la primera cortinilla y antes que esté totalmente bajada, empezará a bajar la segunda. Es decir que no está el obturador totalmente abierto, sino que sólo una franja del sensor queda expuesta un determinado tiempo.

Foto del Blog Estudiante de la Luz

Cuando estamos usando el flash este efecto es muy relevante! La velocidad máxima en la que podemos encontrar el obturador totalmente abierto se llama "velocidad de sincronización". Normalmente esta velocidad se suele situar en 1/200 o 1/250 segundos.

Bien, y todo esto, que tiene que ver con el flash. Muy sencillo, recuerda que hemos dicho que el flash emite un destello casi instantáneo de luz. Por lo tanto, y salvo una matización que haré al final, si disparamos el flash cuando el obturador no está totalmente abierto (es decir a velocidades muy altas) la luz sólo sensibilizará una parte del sensor! esto produce fotos en las que una parte de la imagen aparece totalmente oscura.

Por lo tanto, la velocidad de sincronización del flash es un valor que debemos conocer para procurar no sobrepasarlo.

Matización: actualmente, los flashes más avanzados incorporan una funcionalidad que permite disparar más allá de la velocidad de sincronización. Lo que hace el flash en estos casos es emitir destellos en las distintas franjas por las que se va abriendo el obturador. La contrapartida de esto es que la potencia del flash baja considerablemente, así que sólo nos servirá para contadas ocasiones.

Imagen del Blog de Hugo Rodriguez

Sobre la velocidad de sincronización te recomiendo este artículo en dZoom



CF7 - El Flash

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Foto de jeppe2 en Flickr


Inicio con este post una serie de capítulos dentro del curso de fotografía dedicados al flash. Hablaré primero del dispositivo en sí, de los componentes que lo forman para luego entrar ya a explicar el concepto de exposición cuando se usa el flash así como otros aspectos a tener en cuenta cuando lo usamos en nuestras fotos.

De nuevo, esta área es un mundo en si misma. Existe muchísimo material alrededor de la técnica del flash así como su vertiente artística y creativa, pero de nuevo, la intención es dar aquí unas cuantas  pinceladas a este tema y que te sirva de inspiración para conocer un poco más de esta área de la fotografía.

La polémica portada de The New York Post

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Si no habías tenido ocasión de ver la polémica portada de The New York Post, aquí la tienes. Esta haciendo correr ríos de tinta desde que se publicó el pasado martes 4 de diciembre.

Resulta que la historia fue que este hombre cayó a las vías del metro como resultado de una trifulca. El fotógrafo R. Umar Abbasi, que estaba allí tomando las fotos del momento, continuó con la cámara en la mano y sin prestar auxilio al triste protagonista del suceso, Ki Suk Han, que acabaría muriendo tras ser arrollado por el tren.

La primera reflexión es sin duda la falta de escrúpulos y de humanidad que el fotógrafo a demostrado con este acto. No hay justificación posible bajo mi humilde opinión. Por encima de cualquier profesión, la de fotógrafo incluida, somos personas y la obligación de asistir a alguien en una situación de apuro debe prevalecer por encima de todo. Ante la pregunta ¿debería haber dejado la cámara en el suelo y tratar de ayudar a Ki Suk Han? la respuesta para mi es muy clara: sí, por supuesto. Ante la pregunta, ¿debe el fotógrafo mantenerse al margen de lo que está pasando? la respuesta es: no, en este caso en que corre peligro la vida de una persona a la que se le debe prestar ayuda, no, no debe mantenerse al margen.

Creo que lo tenemos claro; el amigo R. Umar Abbasi actuó mal.....

Dicho esto, creo que es justo continuar depurando responsabilidades aunque sean responsabilidades meramente éticas. ¿Qué tenemos que decir de los señores editores de un periódico que, eso sí, con todo el tiempo del mundo, con todo el poder de decisión, deciden comprar estas fotos al vilipendiado R. Umar Abbasi para publicarlas a toda portada en su periódico? ¿No son igualmente villanos?. Alguno podría pensar que es un acto informativo ¿verdad?, pero vamos a ver ¿es noticia que una persona muera arrollada en la ciudad de Nueva York? Yo lo tengo claro, esto no es noticia, es puro morbo y amarillismo. Tengo claro que el fotógrafo R. Umar Abbasi actuó mal, muuuy mal, pero ojo, el medio que compra las imágenes y construye una historia alrededor de todo esto debe también ser objeto de nuestra crítica. Podemos decir bien alto que tampoco han actuado bien.

Estos días me he estado haciendo la pregunta de ¿que hubieras hecho tu en la misma situación que el fotógrafo R. Umar Abbasi? Como casi siempre me pasa en estas situaciones, la respuesta que me viene es "No lo se". Creo que son ese tipo de situaciones en que uno reacciona casi instintivamente, así que para saber con certeza como hubiera reaccionado me debería trasladar a una situación que ya haya vivido, y afortunadamente no me he tenido que encontrar con una situación parecida. Si hablamos de los editores del periódico, casi me atrevo a asegurar que no hubiera publicado la no-noticia de un hombre siendo arroyado por un tren en la ciudad de Nueva York.

¿Qué hubieras hecho tu? ¿Cómo habrías reaccionado?

CF6.6 - El Color

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Círculo cromático de Goethe

Sin duda, uno de los elementos compositivos más relevantes es el color. El color que toma nuestra composición ya puede tomar cierto significado. Mirad sino esta entrada en la wikipedia, dónde podréis encontrar la relación entre estados de ánimo y colores. Es así, los colores nos determinan el estado de ánimo y eso hay que tenerlo en cuenta también. Así tenemos que rojo es pasión, alegría o peligro; azul es armonía y frialdad; amarillo es contradicción, acidez, traición; verde es naturaleza, esperanza y tranquilidad; negro es poder y elegancia; blanco es inocencia; y un largo etc.

El color nos determina en cierto modo la percepción. Puesto que con el hecho de fotografiar queremos modificar la percepción del espectador y trasmitirle un sentimiento, está claro que este es un componente al que debemos prestar atención. Como fotógrafos debemos conocer que tenemos una herramienta, el color, que puede ayudarnos a trasmitir lo que deseamos. Debemos saber si nos decantamos hacia uno de los colores de nuestra escena o si por el contrario buscamos un cierto equilibrio.

En esta sección del curso de fotografía dedicado a la composición me centraré en una técnica para determinar la proporción de colores armónica en una escena.

Goethe y los colores complementarios

Pregunta fundamental en arte y en concreto en fotografía es saber como encontrar una situación de equilibrio y armonía cuando en nuestra foto predominan varios colores. Para esto, ya en el siglo XIX, Goethe se dedicó a estudiar la relación entre emociones y los colores y propuso un sistema para poder encontrar un equilibrio armónico entre ellos. Se dio cuenta que para encontrar cierta armonía, los colores debían aparecer en la escena en relación inversamente proporcional a su "brillo". Es decir, a mayor "brillo" menor área debían ocupar en la escena para conseguir la armonía deseada. Su siguiente paso fue designar un valor numérico a cada uno de los colores
Amarillo=9, Naranja=8, Rojo=6, Verde=6, Azul=4, Violeta=3, Blanco=10, Negro=0

De esta forma llegó a la conclusión de que si por ejemplo, en una escena debía combinar rojo y azul (6 y 6) esto quería decir que ambos debían aparecer por igual. Si por el contrario quería combinar Amarillo y Violeta (9 y 3) el violeta debía ocupar una superficie tres veces superior al amarillo.

Foto de Darwin Bell en Flickr
Foto de Lady-bug en Flickr

De nuevo, este es un ejemplo más de una de aquellas reglas en fotografía que vale la pena conocer e incluso experimentar y decidir a posteriori si la vamos a querer romper. No creo que la tengamos que tomar como la ciencia más exacta del mundo, pero sí como algo a tener en cuenta que nos ayude a tomar decisiones en el momento de componer. Más que el saberse los números asociados a cada color y hacer cálculos matemáticos para saber en que proporción combinar los colores creo que lo más acertado es quedarse con la idea que a mayor brillo menor proporción y practicar!

Conclusión

Vemos por tanto que el color es un elemento compositivo que debemos considerar. Ya sea como elemento principal de nuestra composición, como en los ejemplos de arriba, como cuando son un elemento más de nuestra escena. Hemos visto que los colores nos evocan ciertos sentimientos y que existe una regla para combinarlos y obtener cierta armonía compositiva que fue elaborada por Goethe en el siglo XIX



Emprender

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Lee Friedlander with his Hassy Superwide, by Richard Avedon

Me da cierto reparo y mucho respeto la palabra emprender, sobretodo cuando me refiero a dedicarme profesionalmente a la fotografía. Y todavía más cuando en estos últimos tiempos este mundo se está revolucionando desde la aparición de la tecnología digital, la informática, los dispositivos móviles etc. Se ha casi extinguido ese aspecto artesanal dónde era necesario conocer unas técnicas y procedimientos de revelado, dónde se trabajaba con componentes químicos, donde los fotógrafos iban cargados de carretes y vestían con chalecos de bolsillos etc. En su lugar han aparecido la inmediatez, la espontaneidad y la disponibilidad en un mundo cada vez más conectado, dónde las fotografías prácticamente no las llegamos ni a tocar y dónde aparecen oportunidades cuando menos te lo esperas.

Es en este nuevo mundo dónde uno puede lanzarse a la aventura de ser fotógrafo. Aprovechando la oportunidad que el programa de Google Fotos de Negocios me ha proporcionado he decidido experimentar esta área y combinar mi actual trabajo con el de fotógrafo....¿no se si le puedo poner YA el adjetivo de "profesional"?. Para ser sincero me siento un poco como un intruso, ya que la fotografía no es mi ámbito profesional sino mi hobby y la pasión de estos últimos años. Al mismo tiempo lo defiendo con toda la energía ya que lo he decidido hacer con todas las de la ley y con todas las consecuencias, así que me enfrento a los mismos retos que cualquiera se pueda encontrar. Así que diré eso de "profesional" con la boca pequeña de momento....pero lo diré!

Me he marcado el objetivo de divertirme en el proceso y el de aprender todo lo posible de los aspectos a los que me tengo que enfrentar incluso aquellos que van más allá del propio acto de hacer fotos: comunicación, venta, administración, gestión, etc. De momento ya es el caso. Me lo estoy pasando genial y aprendiendo muchas cosas así que ya los estoy cumpliendo de cierto modo. Veremos como evoluciona!

Agradezco desde aquí también a todos aquellos que desinteresadamente me estáis ayudando de una u otra forma. Desde aguantarme en el día a día como hace alguna que tengo bien cerca (muac!) como aconsejarme, conectarme, animarme, guiarme, corregirme etc. como hacéis muchos de vosotros. MUCHAS GRACIAS!





Siscart en Google Fotos de Negocios

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La Cistelleria Siscart, situada en plena calle Creu Coberta de Hostafrancs, en uno de los ejes comerciales más importantes de Barcelona, es un negocio familiar fundado a principios de siglo XX y reformado en los años 60 dónde entre otras cosas crearon el escaparate que podemos ver hoy en día. Durante todo este tiempo se ha ganado a pulso la reputación de tienda de barrio entrañable, familiar y de trato personalizado y se ha convertido en tienda emblemática para todo el vecindario.

En Siscart puedes encontrar absolutamente cualquier cosa que puedas necesitar; desde cestos y cestas de todas clases (claro), cortinas, alfombras, menaje del hogar, artículos de decoración, colgadores, perchas, cajas, sillas, muebles y un larguísimo etcétera. Mires a dónde mires en la tienda podrás encontrar algo que te pueda interesar por lo que no te la puedes perder si vas de paseo por Hostafrancs.

Esta semana he tenido el placer de hacer el recorrido virtual para Google Fotos de Negocios y os lo presento aquí para que lo disfrutéis. Mirad en todas direcciones y no os perdáis detalle!

Ha sido un auténtico gustazo haber trabajado con la familia Montserrat Siscart en este proyecto. Moltes gràcies per deixar-me entrar a casa vostra!!


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Fake it

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Tenemos la creencia que la manipulación en fotografía es un fenómeno moderno, de los tiempos de la fotografía digital, de la irrupción de la informática y del demonio por antonomasia que es el Photoshop. Hoy me he topado con un artículo que hace referencia a una exposición que actualmente se está exhibiendo en el Metropolitan de Nueva York llamada "Fake it: Manipulated Photography Before Photoshop"

Está claro que se trata de una exposición de trabajos fotográficos, me quedo corto perdón, debería decir: obras maestras, en las que se ha producido cierta manipulación y que en muchos casos nos hace dibujar una sonrisa cuando las contemplamos. La gracia es que todas ellas se hicieron antes de toda esta era digital y mucho antes de que Photoshop fuese ni siquiera una idea.

Me encantaría poderla visitar, claro, pero me tengo que conformar con visitar la web. Os recomiendo que os deis un paseo por las fotos de la exposición así como que le deis un vistazo a las explicaciones que las acompañan porque vale mucho la pena. No me puedo resistir a dejar aquí mis favoritas (de momento)

La primera es una curiosidad que no es más que la foto de Mao. La famosiiiisima foto de Mao que habéis visto millones de veces que resulta que fue retocada para rejuvenecerlo un poquito. Vaya! al estilo de las modelos que aparecen en las portadas de las revistas ellas tan perfectísimas. Os dejo el link

La segunda es una preciosidad de fotomontaje de una joven fumando un cigarro en una copa de champagne. Me quedo sin comentarios y me quedan sólo las alabanzas ante este fenomenal trabajo. Fue realizada por Howard S. Redell en los años 30. Genial!

Woman in Champagne Glass


¿A alguien le sobra un ticket para un vuelo a NY?


Gadgets Móviles en Google Fotos de Negocios

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En esta ocasión hablamos de una pequeña tienda situada en la calle Tuset 19-21, en las galerías del Drugstore. Se trata de Gadgets Móviles dónde podréis encontrar todos los accesorios imaginables para dispositivos móviles de todas las marcas tamaños y versiones, con especial atención al iPhone. Además de los accesorios y complementos para móviles también se encargan de la reparación, extendiendo este servicio a ordenadores (PC y Mac).

Un placer haber trabajado con Josep Maria en su tienda y espero volver a hacerlo en un futuro!



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Diesel Store Passeig de Gràcia en Google Fotos de Negocios

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No puedo negar que me hace especial ilusión enseñar el trabajo en esta Diesel Store ya que se encuentra situada en una de las avenidas emblemáticas de Barcelona, el Passeig de Gràcia. Es de paso y visita obligada en la ciudad por lo que es posible que si has paseado por allí te hayas pasado por esta tienda.

La novedad de esta trabajo es que tiene dos pisos. Excepcionalmente Google me dio permiso para poder realizar los dos pisos ya que es una funcionalidad que está aún en desarrollo y no está disponible de forma extensiva a todos los fotógrafos de confianza..

En el piso inferior está la colección "male" mientras que en la superior queda la colección "female". Prestad atención a las secciones de complementos ya que esta Diesel Store expone una gran cantidad y variedad.

Espero disfrutéis del viaje. Recomiendo ver el recorrido virtual a pantalla completa usando el icono de la parte superior derecha. Ah! y usad el pequeño ascensor de la parte izquierda para cambiar de planta!



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Ah!, podéis ver toda la información de esta tienda es su página de Google Pages. Animaros a poner comentarios!

Diesel Store l'Illa Diagonal en Google Fotos de Negocios

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Tras un largo periodo entre certificaciones, pruebas prácticas y tras pasar alguna que otra dificultad con algún proveedor, finalmente ha llegado el día de ver mi primer trabajo publicado de Google Fotos de Negocios. Se trata de la Diesel Store de l'Illa Diagonal.

Pasen y vean! Recomiendo ver el recorrido maximizando la ventana usando el icono de la parte superior derecha.
Disfrutadlo!


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Puedes también ver más información de la tienda y algunas fotos más en la página de Google Places.

Ah, me olvidaba, deciros en primicia que el recorrido virtual tiene una pequeña curiosidad....¿La has encontrado?


CF6.5 - Perspectiva

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Siguiendo con los aspectos compositivos dentro del curso de fotografía, este capitulo trata de perspectiva, en que consiste y que sensaciones podemos llegar a transmitir con un correcto control de la misma.

Perspectiva

La perspectiva es la representación una imagen en relación a una posición determinada. El elemento clave es precisamente la "posición" del observador, es decir, del fotógrafo. Por lo tanto, si cambiamos la  posición del fotógrafo cambiaremos la perspectiva de la imagen que vamos a tomar.  Nos encontramos ante un juego geométrico entre el fotógrafo y el sujeto en el que no intervienen otros componentes que la posición física de ambos, y nada que ver con ningún componente de la cámara (matizaré esto un poco más abajo)

Tamaño aparente

Con el control de la perspectiva que esta en función de la distancia al observador, modificamos el tamaño aparente de los objetos. Es decir, si tenemos dos objetos de igual tamaño a distintas distancias del observador, veremos aparentemente más grande al que tengamos más cercano. Obvio no? pero fíjate que estoy hablando continuamente de "posición" ante los objetos, y no de ningún ajuste de la cámara. Justo! se trata de movernos y de buscar la mejor situación para obtener el efecto deseado.

Un ejemplo para ver esto es la siguiente foto. El tamaño relativo del primer poste es mucho mayor que la del poste que aparece al final de la imagen. Alexandre ha conseguido el efecto de perspectiva colocándose cerca del primer poste y relativamente más lejos del resto.

Foto de Alexandre Dulaunoy en Flickr

Se suele asociar el concepto de perspectiva a objetivo gran angular. Esto se debe a que los objetivos angulares permiten visualizar una gran sección del campo visual y por tanto facilitan el buscar efectos de perspectiva más facilmente, pero ojo, un objetivo gran angular no va a hacer que las fotos con perspectiva aparezcan de la nada! Es decir, el elemento clave para conseguir una buena perspectiva es la posición!

Punto de vista

El punto de vista desde dónde tomemos una imagen contribuye también al control de la perspectiva. En fotografía nos solemos referir por "punto de vista" a la posición vertical que adoptamos en relación con nuestro sujeto, y por tanto, al ángulo que describimos para realizar la toma. Se distinguen varios puntos de vista:

  • A nivel: Nos situamos al nivel de nuestro sujeto
  • Picado: Nos situamos en un ángulo superior (de arriba a abajo)
  • Contrapicado: Nos situamos en un ángulo inferior (de abajo a arriba), justo lo contrario que un picado
  • Cenital: Totalmente en vertical mirando hacia abajo
  • Nadir: Totalmente en vertical mirando hacia arriba
Foto de MGN Foto en Flickr


¿Que conseguimos?

El control de la perspectiva contribuye a dar un efecto de volumen y profundidad a nuestra imagen. En definitiva, conseguimos transmitir mejor el efecto de tres dimensiones a una representación en dos dimensiones como es nuestra imagen.

Conclusión

La posición que tomamos en relación a nuestro sujeto es el componente fundamental para controlar la perspectiva de nuestra imagen, y eso incluye también el punto de vista desde donde realicemos la toma. Variando la posición variamos el tamaño aparente de los objetos, que depende exclusivamente de la distancia entre el observador y nuestro sujeto.

¿Te atreves ahora a buscar perspectivas originales en tus fotografías? ¿has experimentado alguna vez con este concepto?




Un ejemplo impresionante en Google Business Photos

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Google Fotos de Negocios permite ver los locales de los negocios por dentro mediante recorridos virtuales de 360º. Estos recorridos virtuales han tenido cierto límite en cuanto a la longitud del recorrido virtual que es posible realizar. Al parecer Google está reaccionando muy ágilmente a esta "limitación" y está permitiendo realizar cosas extraordinarias como la que te presento en esta entrada.

Se trata de un trabajo realizado en Gran Bretaña por el fotógrafo Jonathan Hagen. Es un trabajo espectacular que incluye un recorrido virtual inacabableeeee! Incluye dos plantas (fíjate en el "ascensor" situado en la parte izquierda justo debajo de la brújula) y una cantidad impresionante de fotos.

Te recomiendo que te des una vuelta por este trabajo impresionante. Clica en el icono de la parte superior derecha para verlo a pantalla completa y disfruta.....

Mi sección favorita es la de exterior ¿La has visto?



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Fotógrafo de Confianza

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Fotógrafo de Confianza es como Google llama a todos los fotógrafos incluidos en el programa de Google Fotos de Negocios (en inglés Google Business Photos). Desde esta semana formo parte de este grupo para ofrecer este servicio en Barcelona.

Una vez pasados los procedimientos de certificación de Google, ya estoy en disposición de ofrecer este servicio a los negocios que deseen aparecer en Google mostrando el interior de sus locales mediante recorridos virtuales de 360º al estilo del conocidísimo servicio de Street View.

Si quieres saber más de cómo funciona puedes acceder a esta página y, por supuesto, si quieres contactar conmigo para cualquier duda o pregunta, puedes encontrar mis datos de contacto aquí

CF6.4 - Composición con personas

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El ser humano está especializado en el reconocimiento de personas y especialmente de caras. Es por esa razón que somos especialmente buenos encontrando a alguien conocido entre una multitud o volvernos a acordar de alguien al que sólo hemos visto una vez y hace mucho tiempo....tu cara me suena de algo y no sé de qué.

En este post voy a tratar de algunos aspectos a tener en cuenta cuando incluimos personas en nuestra composición. El tema es prácticamente infinito y daría para mucho. En fotografía de moda o retrato, por ejemplo, existen miles de aspectos que podríamos comentar pero aquí vamos a tratar sólo los más generales.

De nuevo las "reglas" sugeridas más abajo son simplemente orientativas. De nuevo la norma de "rompe las normas" prevalece, pero como decimos siempre, vale la pena primero conocer algunas de las reglas establecidas para luego evaluar si vale la pena romperlas.


Tipos de encuadre

El tipo de encuadre elegido en el momento de hacer la toma va a determinar la proporción de la persona que mostramos. Así distinguimos entre planos generales dónde mostramos a toda la persona, pasando por planos medios, dónde mostramos a partir de la cintura. Los primeros planos muestran a partir de los hombros mientras que los primerísimos primer plano (o close up en inglés) se centran en la cara de nuestro sujeto.

También existe una clasificación en función del ángulo con el que hacemos la toma. Así podemos distinguir entre encuadres frontales dónde nos situamos de frente a nuestro sujeto, de tres cuartos frontal o trasero, donde nos situamos de forma que vemos tanto la parte delantera como trasera de nuestro sujeto y finalmente encuadres traseros en los que nos situamos a la espalda de nuestro sujeto.


Los ojos

Los ojos son el elemento más importante en un retrato. Como seres humanos somos extraordinariamente buenos analizando los ojos de las personas. Identificamos ojos de alegría, de tristeza, de preocupación, etc. Desde el punto de vista fotográfico, centramos nuestra mirada de espectador en los ojos de la persona fotografiada, y por tanto es el elemento que debemos destacar en nuestro retrato. Es más, podemos obviar las otras partes de la cara y seguir obteniendo un buen retrato.


Dónde dirigimos la mirada

Es muy común en nuestras composiciones que nuestro sujeto mire hacia un lado. Es norma habitual que encuadremos a nuestro sujeto de forma que dejemos más espacio hacia el lugar hacia dónde mira. Es decir, si nuestro sujeto mira hacia nuestra derecha, encuadraremos a nuestro sujeto a nuestra izquierda del cuadro, y de esta forma dejaremos más espacio en el lado derecho del encuadre.

Esta forma de encuadrar ayuda a explicar la historia que queremos reflejar. Es decir, si nuestro sujeto mira hacia un lado debemos enseñar más ese lado para guiar al espectador hacia lo que está mirando nuestro sujeto.

Foto de Diego David García en Flickr

Articulaciones

Recordaré para siempre una clase de fotografía en el Centre Cívic Can Basté. A los alumnos nos tocó aquel día llevar fotos para un ejercicio de "mostrar el movimiento". Para esa ocasión elegí una foto que hice en un partido de futbol sala. La foto era la del momento del saque inicial. Consistía en los pies de un jugador que, al ser un movimiento rápido y junto con la baja velocidad de obturación de mi cámara, aparecieron movidos sugiriendo la sensación de movimiento de aquel momento inicial del partido

La profesora, Rebeca, miró la foto y tras pensarlo unos segundos, preguntó a todos los demás qué veían en esa foto. En concreto si veían algo extraño. Todo el mundo se lanzó a opinar sobre que si estaba un poco oscura (cierto) etc...Rebeca se estaba refiriendo a algo totalmente distinto y aprovechó para explicarnos algo que ya nunca podré olvidar.

Resulta que los pies del jugador estaban muy bien y había conseguido captar el movimiento a la perfección, pero el encuadre le cortaba las piernas justo por la altura de las rodillas. Pecado mortal! Creo que las palabras textuales fueron algo así como "están ahí como colgadas ¿no?"....



Cuando fotografiamos personas debemos procurar NO cortar nuestro encuadre por las articulaciones. Si lo hacemos le damos un aspecto poco natural e incluso desagradable a la imagen. Esto aplica entonces a cuello, hombros, codos, muñecas, cadera, rodillas, tobillos...

Las Manos

Como comentaba al principio, los aspectos a tener en cuenta cuando fotografiamos personas es infinito. Un ejemplo de esto es pararnos a analizar la posición de las manos en un retrato. Hace poco leí un artículo en Xatakafoto al respecto. Vale la pena echarle un vistazo porque se explica como superar el problema aquel de "no sé que hacer con mis manos" y se introduce el aspecto compositivo que las manos pueden tener en un retrato.


Conclusión

Somos grandes especialistas reconociendo personas y caras en particular y por tanto es uno de nuestros motivos favoritos y del que sin saberlo somos más expertos. Los tipos de encuadre nos ayudan a componer a nuestro sujeto y debemos tener en cuenta algunos aspectos como es el remarcar la importancia de los ojos, de la mirada e incluso de la posición de las manos. Debemos también evitar ciertos errores como encuadrar justo por las articulaciones.

Y tu, ¿conoces algún aspecto más a tener en cuenta cuando fotografiamos personas?

Sesión en la playa - Fotos enmarcadas

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Una recompensa adicional al trabajo realizado es conocer el destino final y el uso que se le da a las fotos que haces. En esta ocasión Heidi me ha enviado una foto de como quedan las fotos de la sesión en la playa de sus hijos Tomas y Lucas (mil gracias!!)

Las fotos en 30x40cm junto con los marcos blancos han quedado realmente bien. Me alegro un montón que pasen a ocupar un lugar destacado de la casa.

Disfrutadlo chicos! me lo pasé genial aquella mañana en la playa y me alegro mucho que os haya gustado el resultado final.



Una foto con simbolismo: No hay salida

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Tras la reunión de Artur Mas con Mariano Rajoy muchas fueron las portadas y las fotos que ilustraron el momento. Sin embargo a mi una de las que más me impactó fue la de la portada de "La Razón".


Dejando al margen las ideologías y los posicionamientos políticos, en los que no voy a entrar, uno debe reconocer que la foto es un acierto. Mas en primer plano, desenfocado, dirigiéndose hacia la parte izquierda de la imagen, y justo tras su paso, la señal de salida señalando justo hacia el lado contrario. Este último elemento se convierte en el sujeto principal de la imagen (lo remarca el titular) en lugar de lo que uno intuitivamente podría pensar como es el de resaltar la figura de los dos protagonistas del encuentro. El uso de una profundidad de campo reducida vuelve a remarcar al sujeto principal de la imagen (la señal) y así nuestra mirada se centra en el elemento enfocado, a pesar que distinguimos a Mas perfectamente. Buen concepto resumido en una imagen al estilo de la fotografía conceptual como nos explicaba Roger Prat en este post de este mismo blog.

Creo que el conjunto consigue esbozar una media sonrisa al espectador y sobretodo llamar poderosamente la atención. Sea como fuere que se pensó esta imagen, si no es que fue pura casualidad o si hay elementos retocados en postproducción, el resultado final es lo que creo que debemos valorar y por tanto felicitar al fotógrafo por el buen trabajo!


Y tú, ¿has visto alguna foto en la prensa estos días que te llamara la atención?

CF6.3 - El punto y la línea

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Continuando con los La sección de composición del curso de foto, hablamos en este capítulo de los elementos básicos como el punto y la línea.

El punto

El punto es el elemento compositivo más sencillo ya que se trata de un único elemento. Es el más sencillo pero no por ello no menos relevante. Tampoco quiere decir que no vayamos a conseguir grandes resultados incluyendo un único elemento en nuestra composición sino todo lo contrario.

Determinar en que posición del encuadre colocamos el punto dará a la imagen una sensación de dinamismo o stress, o todo lo contrario, una sensación de estabilidad.

Colocar el punto en las intersección de los tercios, como vimos en otro capítulo, le dará a la imagen cierta sensación de dinamismo. Sin embargo, colocarlos en el centro le dará a la imagen una sensación de estabilidad.

Foto de Heidi Maria en Flickr

La línea

La linea es otro elemento compositivo fundamental. Las lineas rectas son poco habituales en la naturaleza, y por eso siguen siendo una herramienta compositiva poderosa. Según su dirección nos transmitirán ciertas sensaciones como tranquilidad, estabilidad, fragilidad, dirección, movimiento, etc. También nos ayudarán a guiar la mirada de nuestro espectador hacia un punto determinado.

Distinguiremos tres tipos de lineas, las horizontales, las verticales y por último las diagonales.

Línea vertical

La línea vertical es relativamente poco habitual en la naturaleza. Nos dan sensación de fragilidad, inestabilidad y de cierto dinamismo.

Foto de Ayrcan en Flickr

Línea horizontal

La línea horizontal es relativamente más habitual en la naturaleza. Encontramos por ejemplo la línea horizontal por antonomasia como es la línea del horizonte.
Las líneas horizontales confieren la sensación de estabilidad y de tranquilidad. Son las "bases" o los "suelos" de muchas de nuestras tomas. Por el contrario, eliminar la linea horizontal de nuestra toma le puede dar a nuestras tomas una sensación de inestabilidad y dinamismo.

Foto de lrargerich en Flickr

Línea diagonal

La línea diagonal nos proporciona una sensación de dinamismo y de dirección. En especial las que cruzan el encuadre desde la esquina superior izquierda hasta la inferior derecha. La razón para este efecto viene del hecho que nuestro cerebro "escanea" una imagen precisamente en esa dirección, iniciándose desde la esquina superior izquierda y cruzando todo el encuadre hasta la esquina opuesta

Foto de spotzone en Flickr

Convergencia

Compositivamente fuertes son entonces las combinaciones de líneas, y en concreto las líneas que convergen. Esto invita al espectador a dirigirse hacia ese punto de convergencia, dónde colocaremos a nuestro sujeto y punto de interés principal

Foto de Andreson Mancini en Flickr

Conclusión

El punto y la línea son elementos compositivos básicos que nos permiten guiar al espectador hacia nuestro sujeto o punto de interés principal. Según su posición y dirección conseguiremos transmitir diferentes sensaciones.

Una técnica interesante: el Refocussing

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A raíz de una noticia que he leído recientemente en Xatakafoto me gustaría presentar una técnica muy original a la vez que sencilla que ofrece unos espectaculares resultados: El Refocussing.

El artista es David Jonhnson de Ottawa, Canadá. Aplica una técnica que consiste en desenfocar el objetivo en una toma de larga duración en una escena con fuegos artificiales. Es decir, que en el tiempo que tenemos el obturador abierto movemos el anillo de enfoque (hay que ponerlo en manual). Es en realidad una técnica sencilla que invita a que lo intentemos nosotros mismos.

El resultado es una autentica genialidad. Se obtiene un efecto precioso como podéis ver en estos ejemplos que adjunto en este post. Puedes ver más en su galería de fotos.

¿Te atreverías a probarlo?




Si deseas comprar alguna de estas maravillas puedes hacerlo aquí.

Estoy de vacaciones

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foto de Jasoon en Flickr

Estoy de vacaciones. Volvemos en septiembre con más contenidos sobre el mundo de la fotografía!
Pasad buenas vacaciones y disfrutad de un merecido descanso.

Albert


CF6.2 - 3 secretos para obtener fotografías sin ruido sin utilizar Photoshop

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Las buenas fotografías llevan un mensaje implícito que corresponde con el punto de vista que el fotógrafo tiene sobre la realidad que pretende inmortalizar. Con cada fotografía, queremos contar algo.
Pongamos por ejemplo esta foto que, por desgracia, es actualidad en estos últimos días.



El infierno del fuego y la valentía de unos bomberos anónimos. Este podría ser el mensaje.
Lo que hace que esta foto sea espectacular es que contiene los elementos justos para poder transmitir este mensaje. Un cielo rojo con una enorme llamarada que demuestra el tamaño y la violencia del incendio y las siluetas de 5 bomberos y una manguera, plantando cara a semejante desastre.
Dicho técnicamente, esta imagen tiene una relación señal/ruido muy elevada, ya que prácticamente todo los elementos que muestra contribuyen a la explicación del mensaje.
La simplicidad es una característica muy apreciada en el mundo de la fotografía porque ayuda a potenciar los elementos importantes de la misma. Y la reducción del ruido en nuestras fotos es un paso fundamental para alcanzar esa simplicidad (al igual que ocurre en el mundo de las presentaciones, sobre lo que ya escribí en mi blog).

¿Puedo eliminar el ruido con Photoshop?

Por supuesto que sí, aunque es una opción que, personalmente, detesto.
El Photoshop es una gran herramienta que ofrece unas prestaciones muy buenas, pero, bajo mi punto de vista, nunca debe utilizarse como remedio a una falta de recursos del fotógrafo. Es como si alguien pretendiera ser reconocido como buen cocinero y no fuese capaz de cocinar un plato sin la Termomix.
La relación entre el tiempo que el fotógrafo está con la cámara en sus manos y el tiempo que se pasa retocando fotos con el Photoshop (o similares) debe decantarse claramente a favor del primero.
Si te gusta la fotografía, disfrutarás mucho más consiguiéndolo por tus propios medios. Y no hay mayor satisfacción que realizar una foto que no necesite retoque alguno.

Entonces… ¿Cómo podemos reducir el ruido en nuestras fotografías sin utilizar Photoshop?

Google Business Photos

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Hace tiempo que está este servicio de Google en marcha en otros países, pero lo traigo a mi blog para darle un poco de difusión.

Google Business Photos es un nuevo servicio de Google que pretende mostrar el interior de las tiendas y negocios. Mediante este nuevo servicio se pretende situar a un potencial cliente dentro del local y guiarlo a través de un recorrido interactivo único, en tres dimensiones. Google Business Photos va a estar integrado en otros servicios de Google como Google Maps y Street View haciendo que el público pase de la calle al interior del local como si de la vida real se tratase. Esto una oportunidad única para mostrar los negocios como nunca se había hecho e integrarlo en los servicios de la mayor compañía de Internet.

A continuación puedes ver uno de los ejemplos que podéis encontrar como "Success Stories" en la web de Google Business Photos. Se trata de un café en la bahía de Sant Diego en California. Te recomiendo que lo visualices a pantalla completa (clica en las flechas de la parte superior derecha) y te des un paseo por el restaurante a modo "Street View"

Disfrútalo!


View Larger Map

No se tú, pero si algún día voy a San Diego, me encantaría visitar este café....y pedir la mesa que está justo al ladito del árbol de Navidad.

El tamaño importa

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Hace un tiempo en este blog, y dentro del curso de fotografía, hablábamos del sensor de la cámara y de los tamaños que podía tener. En el mundo digital hay muchos tamaños de sensor y esto es a veces complicado de comparar.

Recientemente me he enterado a través de Xatakafoto de una nueva herramienta online que permite comparar fácilmente los tamaños de muchos modelos de cámara y de esta forma poder ver de forma muy visual la diferencia relativa que existe entre ellos.

El servicio se llama Camera Image Sensor y lo podéis encontrar en el siguiente enlace: http://cameraimagesensor.com/

Permite elegir varios modelos de cámara y podéis obtener varias representaciones visuales. La que he elegido yo para ilustrar este artículo es el formato apilado "Stack" y lo he usado para comparar un sensor Full-Frame (Canon EOS 5D Mark II) con un formato APS-C de Nikon (Nikon D90) y finalmente el sensor de una cámara compacta como la Fujifilm FinePix F750.

Espero que os guste!

CF6.1 - Encuadre

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Foto de Dale {www.dalefoshe.com} en Flickr

Quizá una de las decisiones a tomar en el momento del disparo es decidir el encuadre de nuestra foto. Dicho de otra forma, que elementos incluimos en la imagen e incluso más importante, que elementos no incluimos. 
El objetivo de una fotografía normalmente va a ser el contar una historia, enseñar algo, centrar la atención en algo que vemos. Es por eso que la elección del encuadre es importante ya que determina lo que mostramos y lo que escondemos.

El fondo

El fondo de la imagen es vital para conseguir evitar distracciones del espectador y para ello debemos procurar evitar los elementos que puedan distraerle. Por lo tanto, fondos neutros y con los mínimos elementos posibles son los deseables.

Esto va a requerir que debamos elegir el fondo más adecuado, por ejemplo, moviéndonos! Usar los pies es en muchas ocasiones una buena solución. Si tu fondo está por ejemplo lleno de gente paseando, quizá sea una buena idea girarse y hacer la foto en otro punto.

Otra posibilidad es la de reducir la profundidad de campo y de esta forma conseguir un fondo difuminado. Con esto invitamos a la mirada a centrarse en la parte enfocada de la imagen.

Llenar el encuadre

Leí no sé donde algo sobre llenar el encuadre que quedó en la cabeza. Básicamente decía que para conseguir una buena foto debías acercarte a tu sujeto cada vez más hasta que lo que vieras por el visor no se pudiera distinguir. Es justo en ese momento que debes parar, dar un paso atras y esa es la foto que debes tomar.

Me gusta este concepto para explicar lo importante que es llenar el encuadre. Solemos obtener mejores resultados cuando conseguimos llenar el encuadre con el sujeto que queremos fotografiar. El concepto es incluir en la imagen aquello y sólo aquello que queremos reflejar.

Foto de Gwyn Michael en Flickr


Te reto a que tomes esta decisión la próxima vez que vayas de viaje y tengas que hacer la foto de alguien con un monumento famoso en el fondo. Pregúntate en ese momento cuál es el objetivo de esa foto: ¿es la de fotografiar el monumento? ¿es la de fotografiar a tu compañero/a de viaje?


La posición en el encuadre

La posición donde situamos los elementos en el encuadre es también relevante. Hay ciertas posiciones que nos dan sensación de dinamismo y despiertan nuestro interés, mientras que hay otras que nos transmiten todo lo contrario. Para explicar esta idea se han elaborado reglas de composición que determinan estas posiciones. Son reglas orientativas y que no garantizan nada, sólo son una referencia que nos puede ser útil en el momento de componer nuestra imagen. Aunque existen varias reglas de este tipo veamos la que es posiblemente la más conocida.


Regla de los tercios

Esta regla consiste en dividir el encuadre en tres franjas horizontales y tres verticales de forma que obtenemos una cuadrícula. La regla dice que usemos estas lineas como referencia para situar los elementos que componen la imagen. Los puntos de intersección de las líneas también son muy interesantes también ya que coinciden dos rectas, una vertical y una horizontal.


Foto de fd en Flickr


Como decíamos, es una regla que nos debe servir de referencia para conseguir mejores resultados. Situar, por ejemplo, el horizonte en el tercio inferior o superior conferirá a la imagen un poco más de interés que si lo situamos justo en el centro de la imagen. Lo mismo pasará cuando en un retrato coloquemos los ojos en el tercio superior e incluso uno de ellos en el punto de intersección superior.

Conclusión

La decisión de que elementos incluimos en el encuadre es muy relevante ya que está relacionada con lo que queremos trasmitir. Pensar en el fondo de la imagen, llenar el encuadre y tener en cuenta la posición de los elementos dentro del encuadre nos van a ayudar a componer una imagen que sea atractiva y despierte cierto interes en el espectador.


CF6 - Composición

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Foto de Daves shots en Flickr

Inicio con este post la sección de Composición del curso de foto. Quizá es el tema que más me apasiona dentro de la fotografía, pero muy probablemente del que más me cuesta ordenar los conceptos. Trataré de clasificarlos y de relatarlos siguiendo un orden más o menos lógico. Me disculpo de antemano si no lo consigo.

La composición en fotografía pretende darnos las pistas de como componer los elementos de una foto de forma que centremos la atención en aquello que queremos trasmitir. Vuelve a leer la frase y te darás cuenta que no tiene sentido. Efectivamente, depende de lo que queramos trasmitir, así que lo primero que debemos decir es que todo lo que hablaremos en composición son reglas o criterios opinables y que admiten interpretación. En más de un libro/blog he leído aquello de "romper las reglas" . Estoy de acuerdo, pero al menos conozcamos algunas y sepamos el porque de las cosas, de como interpretamos una imagen y cómo podemos potenciar el mensaje que queremos trasmitir, y luego ya intentaremos romperlas.

2 lecciones aprendidas de una sesión de fotos en la playa

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Este fin de semana he tenido un encargo de unas fotos que debían hacerse en la playa. De esta experiencia he sacado algún aprendizaje que quiero compartir.

El horizonte es horizontal

Evidente; el horizonte es una linea horizontal (o mejor dicho, lo percibimos horizontal ya que todos sabemos que la tierra es redonda ¿no?). En la playa esto es muy relevante ya que tenemos una marcadísima linea horizontal en el mar. Por lo tanto, debemos esforzarnos en mantener el horizonte lo más recto posible en nuestras fotos. Sobre el terreno esto va a ser un poco más complejo de lo habitual ya que aparte de tener el horizonte tan marcado, nos encontramos en una superficie poco estable como la arena de la playa. Esto hace que por muy concentrado que estés, no puedas acabar adoptando una buena posición, y acabes teniendo horizontes torcidos. Aunque sean pocos grados, las fotos con el mar inclinado son inevitables.

Los horizontes inclinados son especialmente desagradables. Debe ser quizá manía personal pero no puedo con ellos. Fíjate en la foto original como se nota una inclinación de apenas 1.4 grados.

Horizonte inclinado 1.4 grados



Solución: postprocesado. No queda otra opción que corregir esta inclinación enderezando la foto hasta conseguir un horizonte totalmente recto.

Horizonte recto

Pocos contrastes

Una de las cosas de la que me he dado cuenta es el poco contraste que obtenía en alguna de las tomas. Quizá en las que el elemento principal es la arena o el agua del mar. Lo que pasa es que el contraste es bastante reducido y eso se refleja en la imagen que tomamos.
Esto se puede detectar in situ al revisar el histograma cuando hacemos la toma, ya que se obtiene uno de base muy reducida situado más o menos en el centro.

¿Es esto un problema? Bien de hecho no es demasiado problema per se. El problema puede venir en el postprocesado. Yo por ejemplo tengo automatizado el ajuste del histograma (o ajuste de niveles) de forma que el negro y blanco absoluto se ajustan a partir del valor mínimo y máximo del histograma que hemos obtenido. Me he dado cuenta que al aplicarlo en estos casos provocamos una imagen con un contraste exageradísimo. Es como si estiráramos la imagen más de la cuenta y el resultado es excesivo para mi gusto.

Exceso de contraste con ajuste de niveles automático


Solución: hay que ir con cuidado con ajustar los niveles en este tipo de imagenes. Estirando un poco más la zona de los grises he conseguido devolver los detalles en las zonas oscuras de la imagen y conseguir un aspecto más natural.

Corrección del ajuste de niveles

Una vez más nos topamos con una cuestión de gustos y preferencias. Quizá en algunas situaciones nos interese obtener imagenes con un contraste tan exagerado. En esta ocasión yo no buscaba ese resultado y he optado por obtener algo más natural y esta ha sido la forma que he encontrado para solucionarlo.